Neue Impulse für das Netzwerk: Im Gespräch mit den neuen Partnerinstitutionen von explore dance

Gemeinsam zeitgenössischen Tanz für junges Publikum nachhaltig stärken

Mit dem Künstler*innenhaus Mousonturm aus Frankfurt am Main und Perform[d]ance aus Stralsund hat sich explore dance um zwei neue starke Partner*innen erweitert. Die beiden Institutionen vergrößern nicht nur die Basis des Netzwerks auf nunmehr sechs Partner*innen aus sechs unterschiedlichen Städten und Bundesländern, sondern bringen vor allem eigene künstlerische Profile und Erfahrungen in der Arbeit mit jungem Publikum ein.

explore dance-Redaktion | 22. Oktober 2025

Was hat euch motiviert, Teil des explore dance-Netzwerks zu werden?

Was möchtet ihr mit eurer Institution ins Netzwerk einbringen – und was erwartet ihr euch davon?

Was kann aus eurer Sicht speziell die Kunstform Tanz für junges Publikum leisten? 

Nora Elberfeld: 1004 Zentimeter Mut, Foto: Jonas Albrecht

Gibt es Themen, Formate oder Vermittlungsstrategien, die ihr als neue Partner mit explore dance besonders vorantreiben wollt? 

Welche ganz konkreten Pläne habt ihr für eure erste Spielzeit im Netzwerk?

Gibt es eine Inspiration aus eurer bisherigen Arbeit mit jungem Publikum, die ihr teilen möchtet?

„It’s a two-way street!“

Welche strukturellen Zugänge, Mittel und Haltungen brauchen (Kultur-) Institutionen für die gelingende Umsetzung von Kinder- und Jugendbeteiligung?

In der Arbeit von explore dance nehmen Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene unterschiedliche Positionen ein: Sie sind Recherchegegenstand, deren Lebenswelt erforscht werden will, sie sind Inspirationsquelle für eine zeitgemäße Darstellung junger Lebenswelten und zugleich auch Kolleg*innen beim gemeinsamen Konzipieren und Proben sowie Besucher*innen, die ein Tanzstück erleben und auf sich wirken lassen.

In den städteübergreifenden Austauschtreffen der explore dance-Künstler*innen wird deutlich: Nicht nur bei den jungen Menschen ploppen Begeisterung und Aha-Effekte wie Popcorn unkontrolliert in alle Richtungen. Produzieren für junges Publikum eröffnet auch den erwachsenen Profis neue Perspektiven – in Bezug auf künstlerische Diskurse über Ästhetik und Repräsentation, sowie auf die Regulierung von Körpern und ihren Bewegungen.

Von Carolin Gerlach | 11. Oktober 2025

Seitenwechsel wagen

Im Alltag ist die Rollenzuteilung oft schon festgelegt: Ob im Klassenzimmer oder im Theaterraum, Schüler*innen sitzen und reagieren zumeist, während Lehrkräfte oder Tänzer*innen oftmals stehen und agieren. Wie kann diese Blickrichtung umgekehrt werden, sodass aus jungem Publikum auch junge Mitgestalter*innen werden können? Welche Form der Zusammenarbeit ermöglicht jungen Menschen die Rochade von der bloßen Anwesenheit bzw. Beteiligung an einer Aktivität, #Teilnahme, hin zur gleichberechtigten Mitwirkung, #Teilhabe?

Denken wir groß und gehen noch einen Schritt weiter, indem wir fragen: Wie könnte #strukturelle #Beteiligung aussehen, in der Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene die Hände an den Hebeln haben, Rahmen gestalten, Ressourcen verwalten, Entscheidungen treffen und in dieser Funktion mit ihrem Anliegen in der Öffentlichkeit wirksam werden?

Im Rahmen einer dreiteiligen Online-Veranstaltungsreihe erforschten und diskutierten wir im Frühjahr 2025, welche Rahmenbedingungen es für junge Kulturschaffende braucht, um größtmögliche Handlungsfreiheit, Selbstwirksamkeit und öffentliche Anerkennung zu erfahren. Wir haben Vorreiter*innen zwischen elf und 45 Jahren befragt, die uns Einblick in sechs Projekte gegeben haben.

Rahmenbedingungen schaffen

Die erste Session begann mit der Reflexion aus Erwachsenenperspektive: Welche Räume stehen zur Verfügung und wie können sie für die Beteiligung von Kindern und Jugendlichen attraktiv gemacht werden? Offene Kinder- und Jugendangebote gibt es bundesweit durch ganz unterschiedliche Anbieter: von der Kirche über das Bürgerradio, Jugendfeuerwehr oder Jugendrotkreuz, bis hin zu Theater- und Sportclubs. Am Beispiel des Kinder- und Jugendbeteiligungskonzeptes der Stadtverwaltung im sächsischen Riesa sprachen wir mit Fabian Brenner von der Servicestelle Kinder- und Jugendbeteiligung sowie mit dem Künstler Dominic Glöß über strukturelle Voraussetzungen.

Dominic Glöß lebt heute in Chemnitz und arbeitet als Illustrator. Aufgewachsen in Riesa, hat er dort vor zwanzig Jahren als Teenager ein Kunstfestival mit auf die Beine gestellt und die Kraft von echter Jugendbeteiligung miterlebt. „Es geht darum, von der Idee bis zur tatsächlichen Umsetzung gemeinsam am Ball zu bleiben, scheinbare Hürden zu bewältigen, die verschiedenen Entwicklungsstufen der Zusammenarbeit zu durchlaufen.“ Sich als Team zu verstehen und mit einer Idee nach außen hin zu präsentieren, das hat Dominic bis heute geprägt: Gemeinsam mit Freund*innen gründete er als junger Erwachsener das Kotburschi-Kollektiv, welches z. B. das interdisziplinäre Kunstfestival MALJAM JUMBLE in Dresden veranstaltet.

Selbstverwaltung erproben

Kinder- und Jugendbeteiligung stärkt also zum einen das Erleben von Selbstwirksamkeit und zum anderen das politische Engagement. Doch wie gestalten sich Angebot und Zugang zu solchen Beteiligungsmöglichkeiten? Welche Anreize werden geschaffen, um die Aufmerksamkeit und die Bereitschaft junger Menschen zu wecken? Und was macht Beteiligungsprozesse für Kinder und Jugendliche eigentlich attraktiv?

Welche Antworten finden Projektträger und ihre erwachsenen Mitarbeitenden auf diese Fragen – und wie unterscheiden sie sich von den Antworten junger Menschen? Diesem Thema widmen wir uns im Rahmen der zweiten Diskurs-Session und hören direkt von jungen Menschen zwischen 11 und 24 Jahren, in welchen Projekten sie sich engagieren, was sie dranbleiben lässt und wie sie das Zusammenleben bei sich vor Ort aktiv mitgestalten.

Vorbilder aus Berlin – Kinder begleiten ein Festival

Die Perspektiven der jungen Beteiligten variieren stark: Kinder haben andere Bedürfnisse und Interessen als Jugendliche, diese unterscheiden sich wiederum von der Sicht auf die Welt der jungen Erwachsenen. Im Gespräch mit Kindern aus der Blick’s Mal-Jugendgruppe des Augenblick Mal!-Festivals wurde deutlich, wie wichtig ihnen der Kontakt zu ihren erwachsenen Ansprechpersonen vom Festivalteam ist.

Zwei Kulturpädagog*innen übernehmen die Kommunikation mit den Erziehungsberechtigten und die Aufsichtspflicht der Kinder während der Treffen. Sie organisieren Räume für Gruppentreffs und Tickets für Exkursionen, moderieren den Ablauf und dokumentieren sowie kommunizieren die Entscheidungen der Kinder zur Rückkopplung ans große Festivalteam. Darauf können die Kids sich stets verlassen – und fühlen sich daher gut aufgehoben. Die Sprache der Wertschätzung wird hier übrigens an einer Leistung besonders deutlich: „Wenn die Begleiter*innen auch wirklich die Snacks mitbringen, die wir uns ausgesucht haben!“

Vorbilder aus Bremen – Junge Erwachsene kuratieren eine Ausstellung

„New Perceptions“, so nennt sich das Jugendkuratorium der Kunsthalle Bremen. Der Deal ist von Beginn an klar: Die Kulturinstitution bezweckt „die Öffnung des Hauses für neues und jüngeres Publikum sowie die Förderung von Diversität und Teilhabe“. Hierfür bietet sie ihren jungen Kuratoriumsmitgliedern die Chance zur Gestaltung einer eigenen Ausstellung und die Möglichkeit, als bezahlte Guides eigenständig Führungen durch die Kunsthalle zu leiten.

Eine Projektkoordinatorin ist das „Scharnier“ zwischen Jugendkuratorium und Kunsthallen-Leitung. Sie sorgt für Kommunikation – und achtet darauf, dass Entscheidungen in beide Richtungen wahrgenommen und umgesetzt werden. Ein weiterer Grundstein für die gelingende Anbindung der Jugendgruppe, ist der Zugang zu eigenen Räumlichkeiten. Indem die Institution einen Raum zur Verfügung stellt und dafür sogar den Schlüssel aus der Hand gibt, ermöglicht sie zugleich die Erfahrung von Zugehörigkeit wie auch von Freiheit.

Vorbilder aus Wolfenbüttel – Jugendliche gestalten Kommunalpolitik

Freya und Emil vom Jugendparlament Wolfenbüttel betreiben aktiv Kommunalpolitik. Sie sind durch Schüler*innen für eine Periode von zwei Jahren in ihr Amt gewählt worden und setzen sich für die Belange und Interessen der Jugendlichen ihrer Stadt ein z.B., wenn es um Schule, Freizeitgestaltung oder Umwelt geht – von neuen Sportplätzen, über sichere Schulwege bis hin zu besseren Busverbindungen. Das Jugendparlament hört die Anliegen der Kinder und Jugendlichen und bringt sie in die Stadtpolitik ein.

Selbstermächtigung voranbringen

Zwar richten sich die Aufrufe zum Kandidieren und zum Wählen des Jugendparlaments an eine breite Zielgruppe, jedoch monieren Freya und Emil eine fehlende Diversität innerhalb der Beteiligten. Die Zugangs-Chancen im Sinne der Gleichberechtigung und Teilhabe aller Schüler*innen im Stadtgebiet sind also ein wichtiges Thema für Beteiligungsprojekte.

Wen erreicht ein Aufruf? Wer fühlt sich tatsächlich davon angesprochen – und wer eben nicht? Wie wirkt sich die Zusammensetzung einer Gruppe auf ihre Entscheidungen aus? Und wie wäre es, wenn junge Menschen nicht erst von einer Institution aufgerufen werden müssten, um sich zusammenzufinden und in den gesellschaftlichen respektive politischen Diskurs einzubringen? In der dritten Session befassen wir uns mit Methoden der Selbstermächtigung.

Cesy Leonard, Gründerin des Kollektivs „Radikale Töchter“, gibt Anstöße, wie wir gesellschaftliche Anliegen formulieren, die eigene Stimme entdecken und ins Handeln kommen können. Seit 2019 motivieren sie und ihre Kolleginnen im Rahmen von Schulworkshops Jugendliche und junge Erwachsene mit spielerischen Methoden zu mehr politischer Teilhabe. Das Kollektiv sieht es als seine Aufgabe, über die Möglichkeiten politischer Mitbestimmung aufzuklären und ermutigt zugleich dazu, Gefühle unkonventionell zum Ausdruck und Utopien in die Umsetzung zu bringen.

Regeln umkrempeln

Aktionskunst greift in das Soziale und in das Politische ein und will die Gesellschaft mit kreativen Mitteln umgestalten. Jeder Platz, Park oder Straßenabschnitt hat seine Regeln, die man mit Aktionen legal für kurze Zeit unterbrechen oder irritieren kann, um Aufmerksamkeit zu erlangen. Dabei vermischt sich die Trennung zwischen Akteur*innen und Zuschauenden. Am Anfang steht die Unzufriedenheit: Aktiv wird, wer etwas verändern will und einen Weg findet, einem ausgewählten Thema Gehör zu verschaffen. Kern ihrer Aktionskunst sei die Arbeit mit Wut und Empörung, da viele junge Menschen Ungerechtigkeitsgefühle kennen und damit etwas anfangen können: „Wann warst du das letzte Mal wütend und wieso? Hat dir Wut schon mal geholfen, etwas zu erreichen? Was macht dich immer wieder wütend?“ Wut stehe häufig am Anfang von politischer Veränderung. „Es ist ein kraftvolles Gefühl, wenn wir es schaffen, Wut in Mut umzuwandeln!“ Die Jugendlichen werden dazu angeregt, ihre Wut für etwas Produktives nutzen.

How to #Herrschaft?!

Gelingende Kinder- und Jugendbeteiligung hat viele Gemeinsamkeiten mit Tanz- bzw. Theaterproduktionen: Es braucht Menschen, die sich gleichzeitig an einem Ort versammeln und ein gemeinsames Ziel in den Blick nehmen. Die Beispielprojekte verbindet, dass sie an eine Trägerinstitution angebunden sind, u.a. in Form von finanziellen Mitteln und der professionellen Begleitung durch mindestens eine bezahlte Fachkraft, die zwischen der Institution und den Jugendlichen vermittelt.

Allen Impulsen liegt die Überzeugung zu Grunde, dass Kinder, Jugendliche und junge Erwachsene selbst am besten wissen, was sie interessiert, womit sie sich beschäftigen wollen und welche Unterstützung sie dabei brauchen. Es liegt somit in unseren erwachsenen Händen, die Räume und Ressourcen verwalten und Regularien überwachen, aufmerksam hinzuhören und solche Angebote auch zu schaffen.

Von Schüler*innen geprüft

Wie Jugendliche das Pop Up Tie Break von Constantin Trommlitz mitgestaltet haben

Bereits im Probenprozess besuchen explore dance-Künstler*innen Schüler*innen, diskutieren mit ihnen die Themen der Choreographien, zeigen erste Ausschnitte oder laden sie zu Proben ein. Wie erleben Jugendliche die Entstehung einer explore dance-Tanzproduktion an ihrer Schule?

Für die Hamburger Neuproduktion Tie Break arbeiteten Choreograph Constantin Trommlitz und seine Tänzer*innen eng mit dem Profilkurs Theater des Emilie-Wüstenfeld-Gymnasium zusammen. Im Interview erzählen die Schüler*innen Mila (17) und Gianluca (17) wie sie den Prozess erlebt haben und was das Besondere daran ist, so eng in den Entstehungsprozess einer Tanzproduktion eingebunden zu sein.

Ein Interview von Katrin Breschke, explore dance-Projektleiterin in Hamburg | 12. September 2025

Beschreibt mal einen ganz normalen Schultag im Unterschied zu einem Tag, wo jemand von außen – wie wir – dazu kommt. Was ist da anders?

Hattet ihr Berührungsängste, als ihr erfahren habt, dass ihr euch als nächstes mit Tanz und Choreographie beschäftigt?

Wie war das bei unserem ersten Besuch bei euch? Ich erinnere noch, ihr kamt aus einer Mathearbeit und wart mit dem Kopf ganz woanders. Ihr wusstet, dass wir kommen aber nicht, worum es geht. Richtig?

Habt ihr das Gefühl, der Profilkurs Theater ist ein Fach, wo ihr mehr mitbestimmen könnt als in anderen Fächer?

Wenn ihr das Stück jemand anderem beschreiben solltet, worum geht es und warum sollte man sich das anschauen? (Sie überlegen). Vielleicht geht es für euch auch um verschiedene Themen.

Was ist euer Tipp für Menschen, die Angst haben, dass sie Tanz nicht verstehen? 

Jetzt sind wir zu euch gekommen und hatten schon eine Stückidee. Constantin hatte Themen, zu denen er choreographisch arbeiten wollte. Wenn ihr noch davor mitbestimmen könntet, zu welchem Thema sollte es mal ein Tanzstück geben?

Ist es wichtig, dafür im Probenprozess schon im Austausch mit der Zielgruppe zu sein?

Könnte man so einen Stempel drauf machen „geprüft von …“

Ist es ein Unterschied, ob Tanzaufführungen hier zu euch in die Schule kommen, oder ihr ins Theater geht?

Kultur im ländlichen Raum

Den Jugendlichen Türen öffnen – wie explore dance gegen das Schweigen antanzt

Mit körperlicher Präzision und emotionaler Wucht erzählt das Pop Up WUW – Wind und Wand  des Tänzerduos ZINADA von Druck und Ausgrenzung in der Jugend, aber auch von Selbstermächtigung. Mit der Performance bringt das Netzwerk explore dance zeitgenössischen Tanz an Orte, an denen Kunst selten zu Gast ist – und trifft dort auf Jugendliche, für die das Schweigen manchmal lauter ist als alles andere.

Von David Schmidt | 27. Juni 2025

Eine graue Turnhalle, harte Elektrobeats, ein paar Dutzend Schüler*innen auf Bänken – und mitten im Raum eine Wand. Keine echte, sondern eine Turnmatte, beschmiert mit Schriftzügen und bunten Graffitimotiven. Sie steht symbolisch für Herausforderungen, die Jugendliche erfahren.

Tanzend, ganz ohne Worte, erzählen Jin Lee und Jihun Choi in der Coming-of-Age-Performance WUW – Wind und Wand von den Kämpfen junger Menschen mit sich selbst, den Erwartungen ihrer Eltern, Schamgefühlen, Depressionen und Leistungsdruck.

Die von Jin Lees Tanzpartner Jihun Choi kontrollierte Wand ist eine mächtige Hürde, die die Künstlerin zu überwinden versucht, immer und immer wieder – vergeblich. Nach unzähligen Versuchen sackt sie sichtlich resigniert auf dem Boden zusammen. Doch dann nimmt Lee den Tanz wieder auf, dieses Mal in einer neuen Dynamik, spielerisch, leichter. Was gerade noch unabänderlich schien, wird so allmählich transformiert – bis Lee endlich groß und selbstsicher auf der Wand stehen kann. Konflikte sind lösbar, Hürden lassen sich überwinden: WUW endet auf einer Note, die dem jungen Publikum am Gymnasium Strausberg II in Altlandsberg Mut machen kann. Hier tanzte ZINADA im Mai 2025.

Initiiert wurde der Auftritt vom Netzwerk Tanz für junges Publikum explore dance, das Kinder und Jugendliche direkt mit zeitgenössischem Tanz in Berührung bringt und den Bereich für junges Publikum bundesweit etablieren möchte.

Ein zentraler Baustein sind die sogenannten Pop Up-Stücke, zu denen auch WUW gehört: mobile Produktionen, die ohne große Bühnentechnik auskommen und dort stattfinden, wo sich das junge Publikum ohnehin aufhält – in Schulräumen, Sporthallen, Aulen. In einer Kleinstadt wie Altlandsberg spiele man besonders gerne. „Wir wollen mit Tanz dahin gehen, wo er normalerweise nicht vorkommt“, sagt Johanna Simon, Projektleiterin bei explore dance.

„Das ist wie ein Niesen – man kann es nicht unterdrücken“

In der körperlich intensiven Performance verarbeitet die Choreographin Jin Lee eigene Jugenderfahrungen – mit Ausgrenzung, psychischem Druck, aber auch Selbstermächtigung. Die Jugendliche Jin Lee fühlte sich durch ihr Umfeld in Südkorea nicht akzeptiert. Also zog sie fort, studierte an der Experimental Academy of Dance in Salzburg und schloss mit Bestnote ab, zog dann weiter nach München und macht sich seitdem mit ihren Perfomances einen Namen.

In der Distanz zu den Eltern und durch den Ausdruckstanz fand sie Wege, die Jugenderfahrungen zu verarbeiten – und näherte sich der Familie darüber wieder an. Die daraus gezogenen Lehren hält sie in WUW künstlerisch fest. „Es geht um das Gefühl, nicht gesehen zu werden“, sagt Jin Lee. „Und darum, dass Tanz ein Weg sein kann, sich selbst wiederzufinden.“

Die Suche nach Worten für individuelles Empfinden

Über das Erlebte, über ihre Gefühle und ihre Interpretationen reden die Jugendlichen im Anschluss an die Performance im Workshop. Sie bilden einen großen Kreis um Jin Lee und suchen gemeinsam nach Worten für ihr individuelles Empfinden. Stifte und gelbe Haftnotizen werden verteilt. Sie schreiben zwei Worte auf: Ein Gefühl, das sie beim Zusehen hatten, und den Körperteil, in dem sie es spüren. „Glück und Kopf“ schreibt eine Schülerin auf, und klebt den Zettel auf ihre Stirn. „Verzweiflung und Kopf“ schreibt eine andere – und klebt sich den Zettel dann doch ans Herz.

„Genau aus diesem Grund mache ich meinen Job“, sagt Schnetzinger: „Um den Jugendlichen Türen zu öffnen.“ Nicht nur zu Kunst wie modernem Tanz, sondern zu anderen Formen des Denkens, Fühlens und des darüber Sprechens will die Lehrerin Zugänge bieten. „Gerade hier auf dem Land wird Körperlichkeit oft nur mit Leistung verknüpft“, sagt sie. „Aber was passiert, wenn wir anfangen, mit dem Körper über Dinge zu sprechen, die man nicht in Worte fassen kann?“

An Brandenburgs Schulen seien Kinder oft gut im Sport und im Funktionieren. Doch wenn es um ihre Gefühle geht, würden sie leise. Und genau das mache die Arbeit von explore dance und Performances wie die von ZINADA so wertvoll: „Da geht es um Dinge, mit denen Kinder nicht umgehen können, weil niemand mit ihnen darüber spricht, wie es geht. Aber die Reaktionen zeigen es ja: Die Gefühle sind da.“

„Auf dem Land fehlt oft die Begegnung mit Menschen, die anders sind“

Wie wichtig es ist, Emotionen mit Jugendlichen zu thematisieren, unterstreicht Jin Lee von ZINADA mit einer Erzählung: Nach einer Vorstellung vor einer sechsten Klasse in Potsdam trat ein Mädchen auf sie zu und fragte: „Hast du das echt so erlebt?“

Die Zwölfjährige erzählte, sie leide unter Depressionen und könne mit ihren Eltern nicht darüber sprechen. „Sie fühlte sich, als würde sie von ihnen behandelt wie eine Gefahr“, erzählt Lee. „Sie war zwölf und fühlte sich schwer depressiv, und da war niemand, der ihr damit hilft. Das hat mich unheimlich traurig gemacht.“ Sie machte dem Mädchen Mut: „Ich habe zu ihr gesagt: Du findest deinen Weg, so wie ich meinen gefunden habe. Deiner wird anders als meiner sein, aber ich weiß, du wirst ihn finden!“

Solche Begegnungen mit zuhörenden Erwachsenen, sagt Lee, seien in ihrer Kindheit selten gewesen – und sind auch heute nicht selbstverständlich. „Ich habe als Kind gelernt, dass meine Art zu sein falsch ist“, erzählt sie. „Ich war immer zu viel. Zu laut, zu wild. Und ständig wurde mir gesagt, wie ein Mädchen zu sein hat.“

Auch heute begegnet sie in ihrer Arbeit noch Vorurteilen – vor allem, wenn sie wie hier mit explore dance in eher ländlichen Regionen unterwegs ist. Dort sei der Umgang oft weniger offen, manchmal spüre man subtile Ablehnung, manchmal offene Irritation. In Großstädten wie Berlin, München, Hamburg oder Potsdam hingegen sei die Resonanz viel offener, diverser. „Auf dem Land begegnen mir Sexismus und Rassismus öfter“, sagt sie. „Ich habe festgestellt, beides geht Hand in Hand, auch bei Kindern schon.“

Eigentlich begrüße sie diese Vorfälle aber, denn: „Es ist gut, wenn das sichtbar wird. Dann kann man es besprechen.“ Jin Lee spricht Schüler*innen, die sich so verhalten, auf der Stelle an. Sie werde das später vor der Klasse besprechen, sagt sie dann, „aber ohne Namen zu nennen“. Oft fehle abseits der großen Städte die Auseinandersetzung mit Diversität – oder schlicht die Begegnung mit Menschen, die anders sind. „Gerade darum wollen wir dort auch präsent sein.“

David Schmidt ist freier Journalist und lebt in Berlin. www.davidhansmoritzschmidt.de

explore dance hat in den sieben Jahren seines Bestehens bereits 35 Tanzstücke für Kinder und Jugendliche verschiedener Altersstufen produziert, darunter Bühnen- und mobile Pop Up-Stücke, die bundesweit in über 600 Vorstellungen auf Bühnen, in Klassenzimmern und im öffentlichen Raum in der Stadt und auf dem Land gezeigt wurden – von Altlandsberg bis Lalling, von Bergen (auf Rügen) bis Eisenhüttenstadt, von Osnabrück über Braunschweig bis nach Berlin.

„Den Geist des Stücks erfühlen“

Wie das Pop Up Fight for your fairytale der Dresdner go plastic company dank Audiodeskription und Tastführung barrierefrei erlebbar wird

Seit 2018 setzt sich explore dance dafür ein, dass alle Kinder und Jugendliche – unabhängig von ihren individuellen Voraussetzungen und persönlichem Hintergrund – Zugang zur Kunstform Tanz erhalten. In diesem Zusammenhang beschäftigt sich das Netzwerk auch mit der Frage, wie seine Produktionen für blinde oder sehbeeinträchtigte junge Menschen erfahrbar werden können.

Unser Dresdner Netzwerkpartner HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste hat gemeinsam mit der Audiobeschreiberin Swantje Henke eine barrierefreie Deskription für das Pop Up Fight for your fairytale der Dresdner go plastic company entwickelt. Mithilfe dieser begleitenden Audiodeskription und einer Tastführung im Vorfeld lässt sich der spielerische „Geist“ von Fight for your fairytale auch jenseits visueller Wahrnehmung erfahren.

Auch andere Künstler*innen unseres Netzwerks bieten bereits barrierefreie Adaptionen ihrer Stücke an: Die Münchner Choreographin und Tänzerin Sarah Huby hat für ihr Pop Up Hey Körper?! eine Version für blindes Publikum erarbeitet. Mehr Teilhabe und Inklusion durch barrierefreie Angebote – ein wichtiges Ziel, das explore dance gemeinsam mit seinen Künstler*innen und Partner*innen weiter vorantreiben wird.

Dieser Beitrag gibt anhand ausgewählter Hörbeispiele einen Einblick in die Audiodeskription von Fight for your fairytale. Im abschließenden Interview erläutert Audiobeschreiberin Swantje Henke, welche Herausforderungen und Möglichkeiten barrierefreie Angebote speziell im Bereich Tanz mit sich bringen.

Von Swantje Henke und Franziska Ruoss | 6. Juni 2025

1. Hören, tasten, erleben – wie Tanz barrierefrei erfahrbar wird

Audiodeskription eröffnet blinden und sehbeeinträchtigten Zuschauer*innen den Zugang zu den visuellen Elementen einer Tanzvorstellung oder Performance. Dazu zählen Handlung, Kostüme, Schauplätze, Gestik, Mimik, Objekte und weitere visuelle Kommunikationselemente.

Die Beschreibung erfolgt live über eine separate Tonspur, die von einer*einem professionellen Audiobeschreiber*in über ein kabelloses Headset-System eingesprochen wird. Die Zuschauer*innen tragen den Kopfhörer während der Vorstellung und erhalten darüber eine detaillierte Beschreibung des Bühnengeschehens – von Bewegungen über Mimik bis hin zu Raumveränderungen. Gleichzeitig nehmen sie die Musik, Geräusche und Atmosphäre der Live-Aufführung wie das übrige Publikum wahr.

Ergänzend dazu bietet eine sogenannte Tastführung vor der Aufführung die Möglichkeit, zentrale Elemente des Stücks taktil zu erkunden: den Bühnenraum, Kostüme, Objekte sowie die Darsteller*innen selbst und deren charakteristische Bewegungen. Durch gezieltes Ertasten der wichtigsten tänzerischen Positionen und eigene Bewegung entsteht ein sinnlicher Zugang zur Choreographie – noch bevor die Vorstellung beginnt.

2. Hörbeispiele aus der Audiodeskription von Fight for your fairytale

Die folgenden Hörbeispiele sind der Audiodeskription von Swantje Henke in Zusammenarbeit mit dem Team der go plastic company entnommen.

3. Interview mit Audiobeschreiberin Swantje Henke

Swantje Henke ist Schauspielerin, Sprecherin und Audiobeschreiberin und lebt in Berlin.

Franziska Ruoss ist künstlerische Projektleiterin für explore dance in HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste.

Auf Entdeckungstour mit zwei Außerirdischen in Potsdam

Eine kreative Fotostory inspiriert vom Pop Up Was geht, Erdling? von Caroline Beach und Saida Makhmudzade

Stell dir vor, du hast die Gelegenheit, einmal auf einen anderen Planeten zu fliegen und zu erkunden, wie das Leben dort so ist. Gibt es Lebewesen? Wie bewegen sie sich? Welche Eigenheiten, Besonderheiten oder Absurditäten zeichnen sie aus? Wie gehen sie mit ihrer Umwelt um? Und was verrät all das vielleicht über unser eigenes Leben auf der Erde?

Genau dieses Experiment wagen die beiden Außerirdischen Ronny und Margret, nur umgekehrt: Sie landen auf dem Planeten Erde und nehmen ihn neugierig unter die Lupe.

Die Ausstatterin und Fotografin Amelie Sabbagh hat die beiden auf ihrer Erkundungstour auf der Erde – genauer gesagt in Potsdam – empfangen und begleitet.

Wie die ersten Schritte unseres Duos auf dem Terrain aussehen, könnt ihr in der Fotostory mitverfolgen.

Von Amelie Sabbagh | 28. Mai 2025

Zum Stück

Was geht, Erdling? ist ein interaktives Pop Up-Stück für Kinder ab 6 Jahren – humorvoll, spontan und voller Neugier auf das Menschsein. Die Choreographinnen und Performerinnen Caroline Beach und Saida Makhmudzade verbinden tänzerische Elemente des Street Styles mit direkter Kommunikation und spielerischer Interaktion mit dem Publikum.

Gemeinsam mit den jungen Zuschauer*innen begeben sie sich auf eine bewegte Expedition zu den Eigenheiten des Lebens auf der Erde: Was ist gut an unserem Planeten – und was vielleicht weniger?

Mit gezielten Fragen rücken sie die Gedanken der Kinder ins Zentrum des Geschehens und verweben deren Antworten in einem improvisiertem Stand-up-Rap. So entsteht ein poetisches und zugleich eindrückliches Kaleidoskop junger Perspektiven auf unsere Welt.

Was geht, Erdling? wirkt über das Spiel hinaus: Es bringt nicht nur zum Lachen, sondern regt vor allem zum Nachdenken über unsere Welt an – bei Kindern wie Erwachsenen.

Choreographie und Performance: Caroline Beach, Saida Makhmudzade

Bühne und Kostüm: Amelie Sabbagh, Josef Panda

Produktionsleitung: Kati Thiel

Sharing Unspoken Secrets

Wie Tanz in WUW – Wind und Wand zur Geheimsprache wird – ein Filmbetrag über die Begegnung von Schüler*innen mit dem künstlerischen Kollektiv ZINADA

Mit einer kraftvollen und zugleich sensiblen Choreographie schafft das künstlerische Kollektiv ZINADA eine besondere Verbindung zu seinem jungen Publikum. Die Performance vergleicht das Erwachsenwerden mit der Überwindung einer massiven Wand. Dabei fangen Jihun Choi und Jin Lee die emotionalen Herausforderungen dieser Lebensphase tänzerisch so eindrucksvoll ein, dass sie junge Menschen intuitiv verstehen.

Warum diese Form der Vermittlung auch ohne Worte funktioniert und wie sie Schüler*innen aktiv einbindet, erläutern Ulrike Klemm, Lehrerin am Münchner Klenze-Gymnasium, und Angelika Endres, Projektleiterin von explore dance mit Einblicken in die WUW-Premiere in der Schulturnhalle.

Ein Filmbeitrag von Fokus Tanz München für explore dance | 31. Januar 2025

Konzept: Jin Lee
Choreographie & Performance: ZINADA (Jihun Choi und Jin Lee)
Musik: Benny Omerzell
Kostümbild und Wanddesign: Soli Jang, Jihun Choi
Produktion: Fokus Tanz
Interviewpartnerinnen: Ulrike Klemm, Angelika Endres
Schnitt: Severin Vogl, Lara Schubert

„Hauptsächlich ging’s ums Herz“

Ein Gespräch zum Pop Up KOSMOKÖRPER der brasilianischen Choreographin Elisabete Finger

Die Theaterpädagogin und Lehrerin an der Potsdamer AWO-Grundschule, Chica Schmidt, begleitete als explore dance-Projektpartnerin mit ihrer Grundschulklasse den Entstehungsprozess des Pop Ups KOSMOKÖRPER. Im Interview erklärt sie, warum Projekte wie dieses Kindern neue kreative Frei- und Bewegungsräume ermöglichen – und wie spielerische Workshops, rhythmische Herzschlag-Bewegungen und das Zeichnen eigener Körperumrisse die jungen Teilnehmer*innen begeisterten.

Von Astrid Priebs-Tröger | 19. Dezember 2024

Wann war Ihre erste Begegnung mit explore dance? Wie sind Sie zur Partnerin von KOSMOKÖRPER geworden?

Wir hatten vorher schon Kontakt mit der fabrik Potsdam, hatten mehrere Pop Up-Stücke als Aufführungen bei uns in der Schule zu Gast und wurden deshalb als Projektpartner*in für KOSMOKÖRPER angefragt. Das war im Herbst 2023. Im Sommer 2024 war ich mit Schüler*innen der 1. und 2. Klasse zu einem Workshop in der fabrik. Der wurde super angenommen, die Kinder hatten Spaß. Vor allem bei den Bewegungen, die dort ausprobiert wurden und mit dem Malen auf Tapetenbahnen.

Es ging sehr viel um den Herzschlag – Düdüm Düdüm – das haben die Schüler*innen auch danach selbst aufgegriffen. Teilweise auch ihre Lernbegleiterin, das kann man ja auch super in einen Morgenkreis einbinden. Hauptsächlich ging‘s ums Herz und dann haben die Kinder auf Tapetenrollen ihre eigenen originalgroßen Umrisse gezeichnet. Ein Kind legte sich auf den Boden auf das Papier, das andere umrahmte seinen Körper mit dem Stift. Ihre eigenen Körperumrisse befüllten die Kinder dann und malten sie aus:  Welche Organe sind in euch? Was habt ihr heute gefrühstückt? Wo ist dein Herz? Das Stück befand sich ganz am Anfang und die Idee der Choreographin war, Einfälle der Kinder aufzugreifen und diese mit in die Stückentwicklung einzubeziehen. Dabei ging es vor allem um Bewegungsideen, aber auch darum zu sehen, wie die Kinder generell auf die Thematik reagieren.

Was passierte außer diesem Workshop, welches Material gab es zur Vor- und Nachbereitung?

Es gab zwei Workshops – einen in der fabrik, einen in der Schule – und eine erste Probevorstellung in der Schule, in dem die Kinder einen Ausschnitt des Stückes eineinhalb Wochen vor der Premiere sahen und im Anschluss den Künstler*innen Feedback gaben. Rückmeldung der Kinder nach dieser Vorstellung war, dass das Stück nicht zu lang ist. Und auch, dass sie viel gesehen und erkannt haben. Sie können schon in diesem Alter mit Abstraktheit gut umgehen.

Es wurde bereits im ersten Workshop deutlich, dass einige Schüler*innen bereits viel über ihren Körper, die Prozesse und Abläufe in ihm wissen. Sie waren allerdings erstaunt über den Schritt – vom Workshop, wo das Team sich noch in der Recherche befand – bis zur Probevorstellung, wo schon in Bildern, Projektionen und choreografischen Elementen das eigentliche Stück deutlich sichtbar wurde. Sie spiegelten, dass sie die Übungen und Spiele aus den Workshops in der Choreographie des Stückes erkannten.

KOSMOKÖRPER von Elisabete Finger stellt wie der Name schon sagt, eine Verbindung zwischen Körper und Kosmos her. Sie durchdringen darin einander, überlagern sich.

Wie führt man Grundschüler*innen an so eine komplexe Thematik heran?

Na hauptsächlich mit viel Bewegung. (lacht) Die Choreographin und die beiden Performer*innen haben zahlreiche Bewegungsangebote gemacht. So ein ganz eindrückliches Beispiel war ein Kreis, den alle zusammen gebildet haben. Der entstand aus einer sehr quirligen Situation heraus und dann wurde über gegenseitiges Klopfen dieser Herzschlag-Rhythmus in Stille weitergegeben und empfangen. Immer mit den eigenen Händen auf den Rücken des Anderen. Das war sehr berührend. Bei dem ersten Workshop ging es zuerst um den eigenen Körper. Welche Organe, welche Geräusche kennt ihr? Wie schlägt das Herz? Die andere Ebene – Projektionen des Kosmos – haben unsere Schüler*innen dann in der Probevorstellung gesehen.

Wie gelang die Kommunikation mit der Regisseurin und den beiden englischsprachigen Performer*innen?

Die Kommunikation war ziemlich unproblematisch. Da Johanna Simon von der fabrik Potsdam in den Workshops übersetzte und unsere Kinder auch in der Schule Englisch lernen. Sie konnten auch selbst Fragen stellen und das wurde dann übersetzt. Die Kinder fanden das spannend, denn da hatten sie mal ein Beispiel, wofür man Englisch lernt. Sie haben intensiv zugehört, auch um herauszukriegen, ob sie selbst schon etwas verstehen.

Wie haben Sie sich selbst dem Thema genähert, wie die Kinder konkret begleitet?

Es gab umfangreiches Vor- und Nachbereitungsmaterial, auch mit praktischen Übungen und Zusatzinformationen zum Stück und den Inhalten, das im Vorfeld verschickt wurde. Wahrnehmungsübungen zum Thema Körper waren darin. Ich selber habe mich nicht explizit darauf vorbereitet, weil das Thema in meiner theaterpädagogischen Praxis ständig auftaucht. Ich bin mit den Kindern in die fabrik gefahren und habe mich überraschen lassen. In der Nachbereitung des Workshops haben wir es dann noch einmal aufgegriffen.

Wie wurden die innen-außen Ebenen des Stücks thematisiert? Wie haben die Kinder darauf reagiert, wie hat es auf sie gewirkt?

Das ist ein sehr komplexes Thema und wenn wir das Projekt noch einmal so machen würden, würde ich eher Fünft- und Sechstklässler dafür vorschlagen. Erst- und Zweitklässler sind noch sehr junge Menschen, deren Aufmerksamkeitspanne kürzer als die der Älteren ist.

Das Innen und Außen wurde beim Malen schon angeboten, aber ob das wirklich bei allen angekommen ist, da bin ich mir nicht ganz sicher. Eine Ausnahme gab es: Ein Junge konnte sehr bildhaft erläutern, was da alles in seinem Körper vorgeht, wenn er frühstückt, wohin das Gegessene sich auf den Weg macht und wie die Prozesse im Körper stattfinden. Beim Erstaunen der Runde darüber beschrieb er sich selbst mit den Worten „ich bin ein kleiner Arzt.“

Natürlich haben auch die anderen Kinder etwas mitgenommen und Ideen gesammelt, und sie haben eine Theaterform erlebt, die sie so, außerhalb der Schule, nicht erleben würden.

Worauf musste man in den Workshops achten? Welche Herausforderungen gab es? Welche Highlights? Was hat den Schüler*innen am meisten Spaß gemacht?

Herausfordernd für jüngere Kinder war schon die Anfahrt. Die gemeinsame Fahrt mit Bus und Bahn, der unbekannte Raum in der fabrik. Neue, unbekannte Menschen. Was den Kindern am meisten Spaß machte, waren die unterschiedlichen Bewegungssachen, die sie auch hinterher in die Schule mitnahmen.

Das Highlight in dem ganzen Prozess war dann die Aufführung, die abschließend in der Schule stattfand. Es gab große AHA- Momente bei der fertigen Choreographie – hier auch der Bogen von innen nach außen beim Betrachten der Projektionen, eigene Assoziationen zu Pflanzen, die wie Körperteile aussahen. „Ist das eine Brust? Oder ein Kaktus?“, „Essen sie die Handschuhe wirklich?“

Gefühle wurden stark erlebt, sowohl als Irritation als auch Faszination. Und die Begegnungen mit den beiden Performer*innen. Insgesamt war deutlich zu spüren, wie offen die Kinder nach den mehrfachen Begegnungen für das künstlerische Team waren, wie beiderseitige Vertrautheit entstand.

Sind Ideen der Kinder, die in den Workshops entstanden, in die Performance eingeflossen?

Wenn ja, welche?

Das Thema Verdauung war bereits im ersten Gespräch ein Thema: Was habt ihr heute Morgen gegessen? Ins Stück eingeflossen sind aber auch andere Assoziationen von ihnen, bildhaft besonders in den Projektionen – wie beispielsweise Flüsse in uns drinnen und um uns herum. Oder die Müll-Thematik.

Wie reagierten die Kinder während der Aufführung und in den Gesprächen danach?

Die Aufführung fand in der Schule im Theaterraum statt. Vor insgesamt 50 Kindern, also auch vor solchen, die nicht am Entstehungsprozess beteiligt waren.

Die Kinder haben unterschiedlich reagiert. Viele waren begeistert, fasziniert von dem was sie gesehen haben und einige haben hinterher auch noch Fragen gestellt und Fragen beantwortet: Was habt ihr gesehen? Was habt ihr gefühlt? Hat euch etwas irritiert? Auch viele technische Fragen: Woher kommt der Rauch? War das alles unter dem weißen Kittel?

Es gab auch Kinder, für die das Gesehene sehr fremd war. Das ist völlig okay – und genauso werden dann aber auch die Fragen im Nachgespräch gestaltet – dafür sind diese Gespräche da. Für viele Kinder ist es das erste Mal, so eine Form von Tanz zu sehen.

Was machen Tanzprojekte wie diese in der Zusammenarbeit mit den beteiligten Kindern, mit den Pädagog*innen? Wurde das Projekt in den regulären Unterricht eingebunden?

Ja, das Projekt wurde in den Unterricht eingebunden, es gab ja die Themensammlung und die Vor- und Nachbereitung. Wir haben nochmal mit den Kindern gesprochen – das machen wir nach jedem Theaterbesuch – und es ist toll, wenn sich die Schüler*innen gemeinsam mit Tanz-Profis bewegen können. Für alle sind es andere, nichtalltägliche Begegnungen, ein Austausch auf Augenhöhe und ein Miteinander sein und -lernen. Und immer kommt auch die Frage an die Tänzer*innen: Ist das euer Beruf?

Ihr ganz persönliches Fazit am Ende?

Es war und ist ein Superprojekt. Weil ich denke, dass in unserer gegenwärtigen Gesellschaft Kindern vor allem kreative Frei- und Bewegungsräume fehlen. Ich hoffe, dass noch sehr viele Schulen an diesem Projekt teilnehmen können.

Chica Schmidt ist Theaterpädagogin und arbeitet an der Potsdamer AWO-Grundschule „Marie Juchacz“, die ein theaterpädagogisches Profil hat und 2025 zehn Jahre alt wird. Chica Schmidt arbeitet mit allen Lerngruppen, auch jahrgangsübergreifend und immer projektbasiert.

Johanna Simon arbeitet als künstlerische Leiterin von explore dance in der fabrik Potsdam.

Das Gespräch führte Astrid Priebs-Tröger, die als freie Kulturjournalistin in Potsdam lebt und arbeitet.

explore dance beim Deutschen Tanzpreis

Am 12. Oktober 2024 wurde explore dance im Rahmen der Verleihung des Deutschen Tanzpreises im Aalto Theater in Essen für herausragende Entwicklung im Tanz geehrt. Das Netzwerk erhielt damit eine der höchsten und renommiertesten Auszeichnungen, die der Tanz in Deutschland zu vergeben hat.

Redaktion | 31. Oktober 2024

In der Jurybegründung des Dachverband Tanz Deutschland heißt es:

Mit einem vielfältigen Angebot zu Themen von Freundschaft bis Physik gestaltet das Netzwerk an verschiedenen Orten Räume zum Erleben von zeitgenössischem Tanz und den darin verhandelten gesellschaftsrelevanten Fragen. (…) Es sind Formate wie das Mobile Pop UP, mit denen explore dance über sein Grundanliegen hinausgeht, Kinder und Jugendlichen Kunst über das Performative anzubieten, ihnen Wahrnehmungsmodi vorzustellen und sie als Publikum ernst zu nehmen. Nicht nur die Tanzvermittlung (…), auch das Touringsystem, das es den einzelnen Mitgliedern erlaubt, ihre Arbeiten deutschlandweit zu zeigen, ist eine besondere Stärke des Netzwerks. Somit bewegt sich der Zeitgenössische Tanz auf das junge Publikum aktiv zu, denn es ist ein Publikum, das nicht in derselben Weise wie erwerbstätige Erwachsene zu Festivals, Galas, oder bekannten Spielstätten reisen kann.

Am Vorabend der Galaveranstaltung stellte die Choreographin Anna Konjetzky ihre explore dance-Produktion „MOVE MORE MORPH IT!“ vor.

Das Pop Up-Stück – getanzt von Sahra Huby, die gerade erst mit dem Förderpreis Tanz der Landeshauptstadt München ausgezeichnet wurde – ist eine Reise durch verschiedene Identitäten, Selbstentwürfe und phantastische Figuren. Es wurde 2018 in München uraufgeführt und ist seitdem bundesweit und international in rund 70 Vorstellungen gezeigt worden – von Johannesburg bis Laos, von Mexico City bis Reutlingen und Kopenhagen.

Aus der Laudatio von Helge Lindh, MdB

Der Kulturpolitiker Helge Lindh, Mitglied des Deutschen Bundestages, würdigte in seiner Laudatio den Dienst an der Demokratie, den explore dance leiste.

„explore dance beteiligt unendlich aufrichtig und ernsthaft junge Menschen, Kinder und Jugendliche, am tänzerischen Schaffensprozess, indem es ihre Lebensperspektiven, ihre Realitäten, ihre Fähigkeiten will und würdigt. Und es erkundet damit auf eine schonungslos ehrliche Weise das wahrlich komplizierte Beziehungsgeflecht von Tanzkunst, Leben und Demokratie ganz praktisch. Und leistet damit ganz konkret tausendmal mehr für den gesellschaftlichen, emanzipatorischen, demokratischen Prozess als zahllose Panels und Podien dieser Erde. Es ist radikal künstlerisch und radikal gesellschaftlich zugleich.“

Die Ehrung ist ein vielversprechendes Signal für die Zukunft des Netzwerks, dem weiterhin eine langfristige Finanzierungsperspektive insbesondere auf Bundesebene fehlt, aber dessen Bedeutung und Erfolgsbilanz für die Entwicklung der Kunstform Tanz sowie auch die ästhetische Bildung auf Bundes- und Länderebene unbestritten ist.

Auch die Länder und Kommunen der vier Partnerorte, die das bundesweite Netzwerk tragen, gratulieren zur herausragenden Auszeichnung im Rahmen des Deutschen Tanzpreises aus Sachsen, Hamburg, München, Brandenburg und Potsdam.

„Ein heilsamer Prozess“

Der Choreograph Alexander Varekhine reflektiert über die Arbeit an seinem neuen Stück „Wo der Teppich Staub fängt“

Von Peter Sampel | 25. Oktober 2024

Eine beruhigende Geräuschkulisse erfüllt den Räum. Ist es das stetige Feuerknistern eines Kamins oder sind es doch Regentropfen, die von außen sanft gegen ein Fenster schlagen? So oder so hüllt es den Raum in eine warme Geborgenheit. Auf dem Boden liegen zwei massive Teppichrollen (Bühne: Christopher Dippert), aus denen sich die Tänzer*innen Alexander Varekhine und Laura Kisselmann herausschälen, später auf ihnen balancieren und spielen, sie hin- und herziehen oder als Unterschlupf benutzen. In zahlreichen Voice Overn (Sounddesign: Sebastian Wolf) erzählen die beiden von Erinnerungen an ihre Kindheit, an ihr Zuhause. Unsichtbare Bilder von Natur, von Essen, Jahreszeiten oder einer vergessenen Sprache aber auch von Schmerz, Ausgeliefertsein und toxischen Familienbeziehungen schweben über den Performer*innen und dekonstruieren das oftmals so idealistische Bild eines geborgenen Zuhauses.

Der Teppich als Repräsentation von Zuhause

Teppiche sind dabei nicht nur der Namensgeber, vielmehr ziehen sie sich als vielschichtige flauschige Protagonisten durch das gesamte Stück. Ein Teppich ist für Alexander die Repräsentation von Zuhause schlechthin. Schon immer war er mit ihnen konfrontiert, sei es an Wänden des Hauses seiner Uroma oder auf Schlafsofas. Als Kind spielt man auf Teppichen, sie fangen auf  und halten von außen die Kälte ab, meint Alexander. Gleichzeitig setzen sie aber auch eine klare Grenze zwischen weich und hart und repräsentieren eine konservative Normativität, eine Hülle oder feste Vorstellung eines Zuhauses, die es vielleicht zu überkommen gilt.

Im Laufe der 30-minütigen Performance bebildern Alexander und Laura den mentalen Schmerz ihrer Kindheit durch physische Kämpfe, Stürzen oder Schutzhaltungen, um diese Bedrohungen schlussendlich gemeinsam zu überkommen und sich gegenseitig zu halten, Trost und Stärke zu spenden. Der Teppich wird hier zum Fundament eines neuen Zuhauses, das in positiven Erinnerungen, Wahlfamilien, Freundschaften oder auch in sich selbst liegen kann. Alexander sagt dazu: „Auf der Ebene der Dinge, die mir ein Zuhause gegeben haben, kann ich auch mein Zuhause aufbauen.“

Eine Form von Empowerment

Es ist sicherlich leicht nachzuvollziehen, dass die Proben zu „Wo der Teppich Staub fängt“ und auch die Vorstellungen ein sehr emotionaler Prozess für Alexander und Laura waren. So fiel das Schreiben der Texte für die Voice Overs in einigen Punkten sehr schwer, einige Textstellen wurden mit kleinen Unwahrheiten gespickt, vermischt oder getauscht gesprochen, um die spezifischen „Rollen“ unlesbarer zu machen. Rückblickend steht für Alexander aber nicht der Schmerz im Vordergrund, der während der Proben ausgesprochen werden konnte, sondern vor allem eine Form von Empowerment, die Erkenntnis, nicht ausgeliefert zu sein, sondern dass es Auswege gibt. So möchte Alexander den Jugendlichen vor allem eins mitgeben: „Ihr müsst nicht immer den Vorgaben eures Zuhauses folgen. Ihr könnt auch dagegen gehen. Wenn ihr euch nicht gut fühlt, müsst ihr das nicht aushalten. Es gibt Orte, an denen ihr über eure Erfahrungen sprechen könnt.“

Seit der Premiere im September am K3 wurde „Wo der Teppich Staub fängt“ auch schon in Potsdam und Cottbus gezeigt. Anfangs, so Alexander, beobachte er häufig Schutzreaktionen bei den Jugendlichen, insbesondere bei jungen Männern, die sich aber gegen Ende immer beruhigen. Die Nachgespräche ließen teilweise persönliche Einblicke zu, aber die Klassengemeinschaft ist auch nicht der richtige Ort, um sich verletzlich zu öffnen. Viel wichtiger sei, was später in den Köpfen passiert, sich Zeit zu nehmen, zu verdauen und bestärkt zu fühlen – und das nicht nur für die Jugendlichen, sondern v.a. auch die anwesenden erwachsenen Zuschauer*innen, die über ihre eigene Kindheit und ggf. ihre Rolle als Eltern reflektieren können. Die kraftgebende Wirkung von „Wo der Teppich Staub fängt“ beschränkt sich laut Alexander nämlich nicht nur auf das jugendliche Publikum, sondern auf alle, sogar ihn als Performer: „In vielerlei Hinsicht war es ein heilsamer Prozess. Ich konnte viel verstehen und verzeihen. Und herausarbeiten: Vielleicht geht’s auch anders.“