Auf Entdeckungstour mit zwei Außerirdischen in Potsdam

Eine kreative Fotostory inspiriert vom Pop Up Was geht, Erdling? von Caroline Beach und Saida Makhmudzade

Stell dir vor, du hast die Gelegenheit, einmal auf einen anderen Planeten zu fliegen und zu erkunden, wie das Leben dort so ist. Gibt es Lebewesen? Wie bewegen sie sich? Welche Eigenheiten, Besonderheiten oder Absurditäten zeichnen sie aus? Wie gehen sie mit ihrer Umwelt um? Und was verrät all das vielleicht über unser eigenes Leben auf der Erde?

Genau dieses Experiment wagen die beiden Außerirdischen Ronny und Margret, nur umgekehrt: Sie landen auf dem Planeten Erde und nehmen ihn neugierig unter die Lupe.

Die Ausstatterin und Fotografin Amelie Sabbagh hat die beiden auf ihrer Erkundungstour auf der Erde – genauer gesagt in Potsdam – empfangen und begleitet.

Wie die ersten Schritte unseres Duos auf dem Terrain aussehen, könnt ihr in der Fotostory mitverfolgen.

Von Amelie Sabbagh | 28. Mai 2025

Zum Stück

Was geht, Erdling? ist ein interaktives Pop Up-Stück für Kinder ab 6 Jahren – humorvoll, spontan und voller Neugier auf das Menschsein. Die Choreographinnen und Performerinnen Caroline Beach und Saida Makhmudzade verbinden tänzerische Elemente des Street Styles mit direkter Kommunikation und spielerischer Interaktion mit dem Publikum.

Gemeinsam mit den jungen Zuschauer*innen begeben sie sich auf eine bewegte Expedition zu den Eigenheiten des Lebens auf der Erde: Was ist gut an unserem Planeten – und was vielleicht weniger?

Mit gezielten Fragen rücken sie die Gedanken der Kinder ins Zentrum des Geschehens und verweben deren Antworten in einem improvisiertem Stand-up-Rap. So entsteht ein poetisches und zugleich eindrückliches Kaleidoskop junger Perspektiven auf unsere Welt.

Was geht, Erdling? wirkt über das Spiel hinaus: Es bringt nicht nur zum Lachen, sondern regt vor allem zum Nachdenken über unsere Welt an – bei Kindern wie Erwachsenen.

Choreographie und Performance: Caroline Beach, Saida Makhmudzade

Bühne und Kostüm: Amelie Sabbagh, Josef Panda

Produktionsleitung: Kati Thiel

Sharing Unspoken Secrets

Wie Tanz in WUW – Wind und Wand zur Geheimsprache wird – ein Filmbetrag über die Begegnung von Schüler*innen mit dem künstlerischen Kollektiv ZINADA

Mit einer kraftvollen und zugleich sensiblen Choreographie schafft das künstlerische Kollektiv ZINADA eine besondere Verbindung zu seinem jungen Publikum. Die Performance vergleicht das Erwachsenwerden mit der Überwindung einer massiven Wand. Dabei fangen Jihun Choi und Jin Lee die emotionalen Herausforderungen dieser Lebensphase tänzerisch so eindrucksvoll ein, dass sie junge Menschen intuitiv verstehen.

Warum diese Form der Vermittlung auch ohne Worte funktioniert und wie sie Schüler*innen aktiv einbindet, erläutern Ulrike Klemm, Lehrerin am Münchner Klenze-Gymnasium, und Angelika Endres, Projektleiterin von explore dance mit Einblicken in die WUW-Premiere in der Schulturnhalle.

Ein Filmbeitrag von Fokus Tanz München für explore dance | 31. Januar 2025

Konzept: Jin Lee
Choreographie & Performance: ZINADA (Jihun Choi und Jin Lee)
Musik: Benny Omerzell
Kostümbild und Wanddesign: Soli Jang, Jihun Choi
Produktion: Fokus Tanz
Interviewpartnerinnen: Ulrike Klemm, Angelika Endres
Schnitt: Severin Vogl, Lara Schubert

„Hauptsächlich ging’s ums Herz“

Ein Gespräch zum Pop Up KOSMOKÖRPER der brasilianischen Choreographin Elisabete Finger

Die Theaterpädagogin und Lehrerin an der Potsdamer AWO-Grundschule, Chica Schmidt, begleitete als explore dance-Projektpartnerin mit ihrer Grundschulklasse den Entstehungsprozess des Pop Ups KOSMOKÖRPER. Im Interview erklärt sie, warum Projekte wie dieses Kindern neue kreative Frei- und Bewegungsräume ermöglichen – und wie spielerische Workshops, rhythmische Herzschlag-Bewegungen und das Zeichnen eigener Körperumrisse die jungen Teilnehmer*innen begeisterten.

Von Astrid Priebs-Tröger | 19. Dezember 2024

Wann war Ihre erste Begegnung mit explore dance? Wie sind Sie zur Partnerin von KOSMOKÖRPER geworden?

Wir hatten vorher schon Kontakt mit der fabrik Potsdam, hatten mehrere Pop Up-Stücke als Aufführungen bei uns in der Schule zu Gast und wurden deshalb als Projektpartner*in für KOSMOKÖRPER angefragt. Das war im Herbst 2023. Im Sommer 2024 war ich mit Schüler*innen der 1. und 2. Klasse zu einem Workshop in der fabrik. Der wurde super angenommen, die Kinder hatten Spaß. Vor allem bei den Bewegungen, die dort ausprobiert wurden und mit dem Malen auf Tapetenbahnen.

Es ging sehr viel um den Herzschlag – Düdüm Düdüm – das haben die Schüler*innen auch danach selbst aufgegriffen. Teilweise auch ihre Lernbegleiterin, das kann man ja auch super in einen Morgenkreis einbinden. Hauptsächlich ging‘s ums Herz und dann haben die Kinder auf Tapetenrollen ihre eigenen originalgroßen Umrisse gezeichnet. Ein Kind legte sich auf den Boden auf das Papier, das andere umrahmte seinen Körper mit dem Stift. Ihre eigenen Körperumrisse befüllten die Kinder dann und malten sie aus:  Welche Organe sind in euch? Was habt ihr heute gefrühstückt? Wo ist dein Herz? Das Stück befand sich ganz am Anfang und die Idee der Choreographin war, Einfälle der Kinder aufzugreifen und diese mit in die Stückentwicklung einzubeziehen. Dabei ging es vor allem um Bewegungsideen, aber auch darum zu sehen, wie die Kinder generell auf die Thematik reagieren.

Was passierte außer diesem Workshop, welches Material gab es zur Vor- und Nachbereitung?

Es gab zwei Workshops – einen in der fabrik, einen in der Schule – und eine erste Probevorstellung in der Schule, in dem die Kinder einen Ausschnitt des Stückes eineinhalb Wochen vor der Premiere sahen und im Anschluss den Künstler*innen Feedback gaben. Rückmeldung der Kinder nach dieser Vorstellung war, dass das Stück nicht zu lang ist. Und auch, dass sie viel gesehen und erkannt haben. Sie können schon in diesem Alter mit Abstraktheit gut umgehen.

Es wurde bereits im ersten Workshop deutlich, dass einige Schüler*innen bereits viel über ihren Körper, die Prozesse und Abläufe in ihm wissen. Sie waren allerdings erstaunt über den Schritt – vom Workshop, wo das Team sich noch in der Recherche befand – bis zur Probevorstellung, wo schon in Bildern, Projektionen und choreografischen Elementen das eigentliche Stück deutlich sichtbar wurde. Sie spiegelten, dass sie die Übungen und Spiele aus den Workshops in der Choreographie des Stückes erkannten.

KOSMOKÖRPER von Elisabete Finger stellt wie der Name schon sagt, eine Verbindung zwischen Körper und Kosmos her. Sie durchdringen darin einander, überlagern sich.

Wie führt man Grundschüler*innen an so eine komplexe Thematik heran?

Na hauptsächlich mit viel Bewegung. (lacht) Die Choreographin und die beiden Performer*innen haben zahlreiche Bewegungsangebote gemacht. So ein ganz eindrückliches Beispiel war ein Kreis, den alle zusammen gebildet haben. Der entstand aus einer sehr quirligen Situation heraus und dann wurde über gegenseitiges Klopfen dieser Herzschlag-Rhythmus in Stille weitergegeben und empfangen. Immer mit den eigenen Händen auf den Rücken des Anderen. Das war sehr berührend. Bei dem ersten Workshop ging es zuerst um den eigenen Körper. Welche Organe, welche Geräusche kennt ihr? Wie schlägt das Herz? Die andere Ebene – Projektionen des Kosmos – haben unsere Schüler*innen dann in der Probevorstellung gesehen.

Wie gelang die Kommunikation mit der Regisseurin und den beiden englischsprachigen Performer*innen?

Die Kommunikation war ziemlich unproblematisch. Da Johanna Simon von der fabrik Potsdam in den Workshops übersetzte und unsere Kinder auch in der Schule Englisch lernen. Sie konnten auch selbst Fragen stellen und das wurde dann übersetzt. Die Kinder fanden das spannend, denn da hatten sie mal ein Beispiel, wofür man Englisch lernt. Sie haben intensiv zugehört, auch um herauszukriegen, ob sie selbst schon etwas verstehen.

Wie haben Sie sich selbst dem Thema genähert, wie die Kinder konkret begleitet?

Es gab umfangreiches Vor- und Nachbereitungsmaterial, auch mit praktischen Übungen und Zusatzinformationen zum Stück und den Inhalten, das im Vorfeld verschickt wurde. Wahrnehmungsübungen zum Thema Körper waren darin. Ich selber habe mich nicht explizit darauf vorbereitet, weil das Thema in meiner theaterpädagogischen Praxis ständig auftaucht. Ich bin mit den Kindern in die fabrik gefahren und habe mich überraschen lassen. In der Nachbereitung des Workshops haben wir es dann noch einmal aufgegriffen.

Wie wurden die innen-außen Ebenen des Stücks thematisiert? Wie haben die Kinder darauf reagiert, wie hat es auf sie gewirkt?

Das ist ein sehr komplexes Thema und wenn wir das Projekt noch einmal so machen würden, würde ich eher Fünft- und Sechstklässler dafür vorschlagen. Erst- und Zweitklässler sind noch sehr junge Menschen, deren Aufmerksamkeitspanne kürzer als die der Älteren ist.

Das Innen und Außen wurde beim Malen schon angeboten, aber ob das wirklich bei allen angekommen ist, da bin ich mir nicht ganz sicher. Eine Ausnahme gab es: Ein Junge konnte sehr bildhaft erläutern, was da alles in seinem Körper vorgeht, wenn er frühstückt, wohin das Gegessene sich auf den Weg macht und wie die Prozesse im Körper stattfinden. Beim Erstaunen der Runde darüber beschrieb er sich selbst mit den Worten „ich bin ein kleiner Arzt.“

Natürlich haben auch die anderen Kinder etwas mitgenommen und Ideen gesammelt, und sie haben eine Theaterform erlebt, die sie so, außerhalb der Schule, nicht erleben würden.

Worauf musste man in den Workshops achten? Welche Herausforderungen gab es? Welche Highlights? Was hat den Schüler*innen am meisten Spaß gemacht?

Herausfordernd für jüngere Kinder war schon die Anfahrt. Die gemeinsame Fahrt mit Bus und Bahn, der unbekannte Raum in der fabrik. Neue, unbekannte Menschen. Was den Kindern am meisten Spaß machte, waren die unterschiedlichen Bewegungssachen, die sie auch hinterher in die Schule mitnahmen.

Das Highlight in dem ganzen Prozess war dann die Aufführung, die abschließend in der Schule stattfand. Es gab große AHA- Momente bei der fertigen Choreographie – hier auch der Bogen von innen nach außen beim Betrachten der Projektionen, eigene Assoziationen zu Pflanzen, die wie Körperteile aussahen. „Ist das eine Brust? Oder ein Kaktus?“, „Essen sie die Handschuhe wirklich?“

Gefühle wurden stark erlebt, sowohl als Irritation als auch Faszination. Und die Begegnungen mit den beiden Performer*innen. Insgesamt war deutlich zu spüren, wie offen die Kinder nach den mehrfachen Begegnungen für das künstlerische Team waren, wie beiderseitige Vertrautheit entstand.

Sind Ideen der Kinder, die in den Workshops entstanden, in die Performance eingeflossen?

Wenn ja, welche?

Das Thema Verdauung war bereits im ersten Gespräch ein Thema: Was habt ihr heute Morgen gegessen? Ins Stück eingeflossen sind aber auch andere Assoziationen von ihnen, bildhaft besonders in den Projektionen – wie beispielsweise Flüsse in uns drinnen und um uns herum. Oder die Müll-Thematik.

Wie reagierten die Kinder während der Aufführung und in den Gesprächen danach?

Die Aufführung fand in der Schule im Theaterraum statt. Vor insgesamt 50 Kindern, also auch vor solchen, die nicht am Entstehungsprozess beteiligt waren.

Die Kinder haben unterschiedlich reagiert. Viele waren begeistert, fasziniert von dem was sie gesehen haben und einige haben hinterher auch noch Fragen gestellt und Fragen beantwortet: Was habt ihr gesehen? Was habt ihr gefühlt? Hat euch etwas irritiert? Auch viele technische Fragen: Woher kommt der Rauch? War das alles unter dem weißen Kittel?

Es gab auch Kinder, für die das Gesehene sehr fremd war. Das ist völlig okay – und genauso werden dann aber auch die Fragen im Nachgespräch gestaltet – dafür sind diese Gespräche da. Für viele Kinder ist es das erste Mal, so eine Form von Tanz zu sehen.

Was machen Tanzprojekte wie diese in der Zusammenarbeit mit den beteiligten Kindern, mit den Pädagog*innen? Wurde das Projekt in den regulären Unterricht eingebunden?

Ja, das Projekt wurde in den Unterricht eingebunden, es gab ja die Themensammlung und die Vor- und Nachbereitung. Wir haben nochmal mit den Kindern gesprochen – das machen wir nach jedem Theaterbesuch – und es ist toll, wenn sich die Schüler*innen gemeinsam mit Tanz-Profis bewegen können. Für alle sind es andere, nichtalltägliche Begegnungen, ein Austausch auf Augenhöhe und ein Miteinander sein und -lernen. Und immer kommt auch die Frage an die Tänzer*innen: Ist das euer Beruf?

Ihr ganz persönliches Fazit am Ende?

Es war und ist ein Superprojekt. Weil ich denke, dass in unserer gegenwärtigen Gesellschaft Kindern vor allem kreative Frei- und Bewegungsräume fehlen. Ich hoffe, dass noch sehr viele Schulen an diesem Projekt teilnehmen können.

Chica Schmidt ist Theaterpädagogin und arbeitet an der Potsdamer AWO-Grundschule „Marie Juchacz“, die ein theaterpädagogisches Profil hat und 2025 zehn Jahre alt wird. Chica Schmidt arbeitet mit allen Lerngruppen, auch jahrgangsübergreifend und immer projektbasiert.

Johanna Simon arbeitet als künstlerische Leiterin von explore dance in der fabrik Potsdam.

Das Gespräch führte Astrid Priebs-Tröger, die als freie Kulturjournalistin in Potsdam lebt und arbeitet.

explore dance beim Deutschen Tanzpreis

Am 12. Oktober 2024 wurde explore dance im Rahmen der Verleihung des Deutschen Tanzpreises im Aalto Theater in Essen für herausragende Entwicklung im Tanz geehrt. Das Netzwerk erhielt damit eine der höchsten und renommiertesten Auszeichnungen, die der Tanz in Deutschland zu vergeben hat.

Redaktion | 31. Oktober 2024

In der Jurybegründung des Dachverband Tanz Deutschland heißt es:

Mit einem vielfältigen Angebot zu Themen von Freundschaft bis Physik gestaltet das Netzwerk an verschiedenen Orten Räume zum Erleben von zeitgenössischem Tanz und den darin verhandelten gesellschaftsrelevanten Fragen. (…) Es sind Formate wie das Mobile Pop UP, mit denen explore dance über sein Grundanliegen hinausgeht, Kinder und Jugendlichen Kunst über das Performative anzubieten, ihnen Wahrnehmungsmodi vorzustellen und sie als Publikum ernst zu nehmen. Nicht nur die Tanzvermittlung (…), auch das Touringsystem, das es den einzelnen Mitgliedern erlaubt, ihre Arbeiten deutschlandweit zu zeigen, ist eine besondere Stärke des Netzwerks. Somit bewegt sich der Zeitgenössische Tanz auf das junge Publikum aktiv zu, denn es ist ein Publikum, das nicht in derselben Weise wie erwerbstätige Erwachsene zu Festivals, Galas, oder bekannten Spielstätten reisen kann.

Am Vorabend der Galaveranstaltung stellte die Choreographin Anna Konjetzky ihre explore dance-Produktion „MOVE MORE MORPH IT!“ vor.

Das Pop Up-Stück – getanzt von Sahra Huby, die gerade erst mit dem Förderpreis Tanz der Landeshauptstadt München ausgezeichnet wurde – ist eine Reise durch verschiedene Identitäten, Selbstentwürfe und phantastische Figuren. Es wurde 2018 in München uraufgeführt und ist seitdem bundesweit und international in rund 70 Vorstellungen gezeigt worden – von Johannesburg bis Laos, von Mexico City bis Reutlingen und Kopenhagen.

Aus der Laudatio von Helge Lindh, MdB

Der Kulturpolitiker Helge Lindh, Mitglied des Deutschen Bundestages, würdigte in seiner Laudatio den Dienst an der Demokratie, den explore dance leiste.

„explore dance beteiligt unendlich aufrichtig und ernsthaft junge Menschen, Kinder und Jugendliche, am tänzerischen Schaffensprozess, indem es ihre Lebensperspektiven, ihre Realitäten, ihre Fähigkeiten will und würdigt. Und es erkundet damit auf eine schonungslos ehrliche Weise das wahrlich komplizierte Beziehungsgeflecht von Tanzkunst, Leben und Demokratie ganz praktisch. Und leistet damit ganz konkret tausendmal mehr für den gesellschaftlichen, emanzipatorischen, demokratischen Prozess als zahllose Panels und Podien dieser Erde. Es ist radikal künstlerisch und radikal gesellschaftlich zugleich.“

Die Ehrung ist ein vielversprechendes Signal für die Zukunft des Netzwerks, dem weiterhin eine langfristige Finanzierungsperspektive insbesondere auf Bundesebene fehlt, aber dessen Bedeutung und Erfolgsbilanz für die Entwicklung der Kunstform Tanz sowie auch die ästhetische Bildung auf Bundes- und Länderebene unbestritten ist.

Auch die Länder und Kommunen der vier Partnerorte, die das bundesweite Netzwerk tragen, gratulieren zur herausragenden Auszeichnung im Rahmen des Deutschen Tanzpreises aus Sachsen, Hamburg, München, Brandenburg und Potsdam.

„Ein heilsamer Prozess“

Der Choreograph Alexander Varekhine reflektiert über die Arbeit an seinem neuen Stück „Wo der Teppich Staub fängt“

Von Peter Sampel | 25. Oktober 2024

Eine beruhigende Geräuschkulisse erfüllt den Räum. Ist es das stetige Feuerknistern eines Kamins oder sind es doch Regentropfen, die von außen sanft gegen ein Fenster schlagen? So oder so hüllt es den Raum in eine warme Geborgenheit. Auf dem Boden liegen zwei massive Teppichrollen (Bühne: Christopher Dippert), aus denen sich die Tänzer*innen Alexander Varekhine und Laura Kisselmann herausschälen, später auf ihnen balancieren und spielen, sie hin- und herziehen oder als Unterschlupf benutzen. In zahlreichen Voice Overn (Sounddesign: Sebastian Wolf) erzählen die beiden von Erinnerungen an ihre Kindheit, an ihr Zuhause. Unsichtbare Bilder von Natur, von Essen, Jahreszeiten oder einer vergessenen Sprache aber auch von Schmerz, Ausgeliefertsein und toxischen Familienbeziehungen schweben über den Performer*innen und dekonstruieren das oftmals so idealistische Bild eines geborgenen Zuhauses.

Der Teppich als Repräsentation von Zuhause

Teppiche sind dabei nicht nur der Namensgeber, vielmehr ziehen sie sich als vielschichtige flauschige Protagonisten durch das gesamte Stück. Ein Teppich ist für Alexander die Repräsentation von Zuhause schlechthin. Schon immer war er mit ihnen konfrontiert, sei es an Wänden des Hauses seiner Uroma oder auf Schlafsofas. Als Kind spielt man auf Teppichen, sie fangen auf  und halten von außen die Kälte ab, meint Alexander. Gleichzeitig setzen sie aber auch eine klare Grenze zwischen weich und hart und repräsentieren eine konservative Normativität, eine Hülle oder feste Vorstellung eines Zuhauses, die es vielleicht zu überkommen gilt.

Im Laufe der 30-minütigen Performance bebildern Alexander und Laura den mentalen Schmerz ihrer Kindheit durch physische Kämpfe, Stürzen oder Schutzhaltungen, um diese Bedrohungen schlussendlich gemeinsam zu überkommen und sich gegenseitig zu halten, Trost und Stärke zu spenden. Der Teppich wird hier zum Fundament eines neuen Zuhauses, das in positiven Erinnerungen, Wahlfamilien, Freundschaften oder auch in sich selbst liegen kann. Alexander sagt dazu: „Auf der Ebene der Dinge, die mir ein Zuhause gegeben haben, kann ich auch mein Zuhause aufbauen.“

Eine Form von Empowerment

Es ist sicherlich leicht nachzuvollziehen, dass die Proben zu „Wo der Teppich Staub fängt“ und auch die Vorstellungen ein sehr emotionaler Prozess für Alexander und Laura waren. So fiel das Schreiben der Texte für die Voice Overs in einigen Punkten sehr schwer, einige Textstellen wurden mit kleinen Unwahrheiten gespickt, vermischt oder getauscht gesprochen, um die spezifischen „Rollen“ unlesbarer zu machen. Rückblickend steht für Alexander aber nicht der Schmerz im Vordergrund, der während der Proben ausgesprochen werden konnte, sondern vor allem eine Form von Empowerment, die Erkenntnis, nicht ausgeliefert zu sein, sondern dass es Auswege gibt. So möchte Alexander den Jugendlichen vor allem eins mitgeben: „Ihr müsst nicht immer den Vorgaben eures Zuhauses folgen. Ihr könnt auch dagegen gehen. Wenn ihr euch nicht gut fühlt, müsst ihr das nicht aushalten. Es gibt Orte, an denen ihr über eure Erfahrungen sprechen könnt.“

Seit der Premiere im September am K3 wurde „Wo der Teppich Staub fängt“ auch schon in Potsdam und Cottbus gezeigt. Anfangs, so Alexander, beobachte er häufig Schutzreaktionen bei den Jugendlichen, insbesondere bei jungen Männern, die sich aber gegen Ende immer beruhigen. Die Nachgespräche ließen teilweise persönliche Einblicke zu, aber die Klassengemeinschaft ist auch nicht der richtige Ort, um sich verletzlich zu öffnen. Viel wichtiger sei, was später in den Köpfen passiert, sich Zeit zu nehmen, zu verdauen und bestärkt zu fühlen – und das nicht nur für die Jugendlichen, sondern v.a. auch die anwesenden erwachsenen Zuschauer*innen, die über ihre eigene Kindheit und ggf. ihre Rolle als Eltern reflektieren können. Die kraftgebende Wirkung von „Wo der Teppich Staub fängt“ beschränkt sich laut Alexander nämlich nicht nur auf das jugendliche Publikum, sondern auf alle, sogar ihn als Performer: „In vielerlei Hinsicht war es ein heilsamer Prozess. Ich konnte viel verstehen und verzeihen. Und herausarbeiten: Vielleicht geht’s auch anders.“

„Das Publikum ist hungrig nach solchen Stücken“

Tanz für Kinder im Krabbelalter, Performance Kunst für Babys, zeitgenössischer Bühnentanz für Jugendliche. Tanz erscheint als Kunstform für Jugend- und speziell für Kinderstücke besonders geeignet. Seit 30 Jahren gibt es Stücke für die ganz Kleinen. Über die Macht von Sinnlichkeit ohne Worte und die gesellschaftspolitische Kraft dahinter.

Rita Argauer | 10. September 2024

Im Rahmen der 10. Festivalausgabe von THINK BIG! fand Anfang Juni in München ein internationaler Fachtag zum Thema „Tanz von Anfang an“ statt. Zum Einstieg in die Thematik frühe Kindheit gab die Wissenschaftlerin Sabine Hattinger-Allende der Uni Duisburg einen spannenden Impulsvortrag zu einer kritischen Sicht auf Mutterschaft und Kindheit im Kontext des gesellschaftlichen Wandels.

Als weitere Referentinnen eingeladen waren die beiden Tanzproduzentinnen Claire Summerfield aus England und Saskia Wieringa aus Norwegen, um Einblicke in die künstlerische und produzierende Praxis aus dem Feld Tanz für ein sehr junges Publikum zu geben. In einem moderierten Gespräch mit der Tanzjournalistin Elisabeth Nehring entstand ein gemeinsamer Austausch mit Tanzschaffenden (Ceren Oran, Alfredo Zinola, Takeshi Matsumoto, Ute Schmitt, Dörte Wolter) und den Teilnehmer:innen. Die Besucher:innen des Fachtags kamen aus vielen unterschiedlichen Bereichen: Künstler:innen und Pädagog:innen, Dramaturg:innen, Verteter:innen aus Kulturpolitik und Kulturverwaltungen. Wissensaustausch und Vernetzung der Akteur:innen standen hier im Vordergrund.

Was zeigt der Blick auf die künstlerische Praxis hierzulande?

In München teilen sich das Bayerische Staatsballett und die Bayerische Staatsoper ein Haus. Und während man bei den Opernvorstellungen ein Publikum antrifft, das den Vorstellungen eines Opernbesuchs in den meisten Fällen äußerlich doch sehr gut entspricht, weicht das Publikum des Bayerischen Staatsballetts hier deutlich ab. Das Tanzpublikum ist selbst bei einer großen klassischen Institution wie dem Bayerischen Staatsballett ein anderes. Ein Jüngeres.

Blick zu einem Festival der freien Szene, auch in München: „Think Big!“. Zeitgenössischer Tanz für ein junges Publikum. Funktioniert ebenfalls prächtig. Teenager und auch jüngere Kinder finden einen erstaunlich direkten Zugang zu einer Kunstform, deren zeitgenössische Variante oft auch als sehr sperrig, sehr abstrakt, sehr nischenorientiert gilt.

„Tanz berührt uns auf der emotionalen Ebene“, sagt Simone Schulte-Aladag, Leiterin des Think-Big-Festivals und Gründungsmitglied des deutschlandweiten Netzwerkes explore dance – Tanz für junges Publikum, dazu. Menschen so früh wie möglich und altersbegleitend Zugänge zur Tanzkunst und zum Selber Tanzen zu eröffnen, das sei in der Gesellschaft nicht mehr selbstverständlich. Tanz an Schulen, an Kitas zu bringen, das ist seit 2006 die Idee des Vereins Fokus Tanz. Tanz als Bühnenkunst zu erleben, das ermöglichen ergänzend dazu ein Festival wie Think Big! oder das Netzwerk explore dance, das bundesweit Tanzstücke für junges Publikum lanciert.

Tanz als Kunstform, als Bühnenkunst ist dabei rein strukturell gesehen spannend. Tanz ist einerseits die abstrakteste Form der Darstellenden Künste. Tanz funktioniert ohne Wort, ohne konkrete Bedeutungseinschläge. Tanz ist aber dadurch gleichzeitig die am direktesten, am sinnlichsten wirkende Form der Darstellende Künste.

Nächster Blickwinkel: Kuckuck, ein Theaterfestival für sehr kleine Kinder in München. In der Ausgabe 2019 gab es ein Stück für Babys ab vier Monaten. Poetischer ausgedrückt, so wie in der Beschreiung des Stücks: „Tanz für alle, die noch nicht laufen können.“ Vier Monate, das ist aber sogar vor dem Krabbelalter. Das ist vor dem Sitzalter. Kinder versuchen da – rein körperlich gesehen – gerade mal sich selber umzudrehen. Kognitiv ist das Sein in diesem Alter noch nicht von der Mutter (oder der engsten Bezugsperson) getrennt. Wie kann in dem Alter eine Kunstform funktionieren, die so stark auf ein Gegenüber aufbaut wie das Theater, besser die Darstellende Kunst an sich? Ein Gegenüber, das als ein Spiegel, als Objekt der Identifikation oder der Assoziation auf einer Bühne steht? Das ist dem Baby erst einmal total egal. Es ist bezeichnend, dass dieses Stück, „Lumi“ der Titel, also eine Art Tanzstück war. Es arbeitete mit Sinneseindrücken, mit weichen Fellen auf dem Boden, mit Licht und mit Klang. Und mit Bewegung. Denn das sind alles Dinge, die selbst kleinste Kinder schon wahrnehmen. Und in denen sich ihre Wahrnehmung verfängt.

Dansens Hus Oslo ist Norwegens Theaterhaus für zeitgenössischen Tanz. Und auch hier versucht man jedes Jahr mindestens sechs Produktionen für Kinder herauszubringen, in den Altersgruppen 0 bis drei Jahre, drei bis sechs Jahre, für sechs+-Jährige und dann für 18+. 2023 waren es sogar zehn Produktion für ein junges Publikum, fast 40 Prozent des gesamten Programms richteten sich so an ein junges Publikum. Auch bei Think Big! gab es 2022 mit „we touch we play we dance“ ein Stück für unter Vierjährige, 2024 mit „Origami Club“ ein weiteres für diese sehr junge Zielgruppe.

„Das Stück ist eine tolle Gelegenheit für kleine Kinder mit allen Sinnen Tanz, Musik und Bewegung und eine energiegeladene positive Atmosphäre im Raum, die Gemeinschaft, zu spüren“, berichtet Simone Schule-Aladag über „we touch we play we dance“. Nach diesem Erlebnis habe sie viel über die Wirkung der Wahrnehmung von Tanz und Musikperformances bei ganz kleinen Kindern recherchiert. Auffällig ist dabei, wie auch sehr kleine Kinder sofort spüren, wann sie in einem nicht narrativen Bühnenstück mitmachen dürfen, wann sie Zuschauer sind.

Stücke für sehr kleine Kinder zeigen Performance Kunst auf eine sehr sinnliche Weise. „Ich bin daher fasziniert davon, dass diese Arbeiten Kinder und Erwachsene gleichermaßen begeistern und stimulieren. Diese Performance ist niedrigschwellig für alle Menschen zugänglich“, so Schulte-Aladag. 2024 initiierte sie im Rahmen des Think Big! – Festivals einen Fachaustausch zu diesem Thema, da speziell in anderen Ländern schon viel experimentiert und geforscht wurde. Auch im Netzwerk explore dance, das derzeit Stücke ab einem Alter von fünf Jahren zeigt, kann man sich vorstellen, sich zukünftig auch an noch jüngere Zuschauer:innen zu richten.

Auf Spurensuche

Tanz für sehr junge Kinder findet seinen Ursprung in den späten 1990ern. Der Choreograph Leif Hernes und die Pädagogin Ellen Os untersuchten mit dem Projekt „Klangfugl“ wie Kunst für Babys und Kleinkinder kreiert werden kann, aber auch wie sie von den Kindern erfahren wird. Dabei kam heraus, dass eben sogar die jüngsten Kinder dazu in der Lage waren, Kunst als Kunst wahrzunehmen, dass sie eine gewisse Aufmerksamkeitsspanne dafür haben und die Kunst auch genießen können, so lange die Aufführung in eine Kommunikation mit ihnen tritt und die Intention dahinter klar bleibt. „Klangfugl“ wurde dann zu dem internationalen Projekt „Glitterbird – Art for the very young“ und schaffte 17 Projekte für Babys in Italien, Frankreich, Ungarn, Dänemark, Finnland und Norwegen.

Klang und Bewegung als Ausdrucksmittel

Kommunikation ist hier ein Stichwort. Denn sehr kleine Kinder kommunizieren eben noch nicht über Sprache. Bewegung und Klang aber sind Ausdrucksmittel, die kleinen Kinder sehr geläufig sind. Und auch die Verbindung von Klang und Bewegung, etwa wenn junge Kinder ganz unbewusst anfangen, sich zu drehen, wenn sie Musik hören.

Die Tanzschaffende Claire Summerfield spricht dabei auch von der Sensibilisierung der Kunstschaffenden für ein junges diverses Publikum. Ein völlig neuer Fokus aber zeigt sich für sie in ihren Erfahrungen der künstlerischen Produktion mit und für ein neurodiverses Publikum. Die Stückentwicklung der britischen Company Second Hand Dance untersucht bereits im Prozess die Wirksamkeit von Performances, die Teilhabemöglichkeiten autistischer Kinder in den Blick nehmen.

„Die Sinnlichkeit der frühen Kindheit besteht vor allem in einem sehr leiblichen, aber auch geistigen und spirituellen berühren und berührt werden durch diejenigen, die für das Kind sorgen“, erklärt die Kindheitsforscherin Sabine Hattinger-Allende. Im Tanz sieht sie eine Möglichkeit, gerade für Kinder, die (noch) nicht sprechen können, dieser sinnlichen Erfahrung Ausdruck zu verleihen und damit kulturell zu vermitteln. Das reicht für Hattinger-Allende in eine (gesellschafts-)politische Dimension, wenn sie Kinder und diejenigen, die für sie sorgen, in dieser Gesellschaft von einer Invisibilisierung und von einer Abwertung durch Ressourcenarmut in der Sorgearbeit bedroht sieht. Kinder und diejenigen, die sich um sie kümmern, befänden sich in einer Art gesellschaftlichem Zwischenraum: „Ich bin der Meinung, dass Kunst und dabei vor allem performative Kunst, der Tanz, diesem „Dazwischen“ einen ästhetischen Ausdruck verleihen könnte und es so als kulturelle Form sichtbar und zugänglich machen könnte“, erklärt sie.

Und es funktioniert. Die Kinderstücke von explore dance, im norwegischen Dansens Hus sowie die Produktionen auf den Festivals Kuckuck und Think Big! werden bestens angenommen. „Das Publikum war hungrig nach solchen Stücken“, so einfach, so direkt drückt es Saskia Wieringa vom norwegischen Dansens Hus aus.

Platz nehmen – für den Tanz

explore dance war mit dem Pop Up Where the boys are von Yotam Peled beim Kulturpolitischen Bundeskongresses am 14. Juni in Berlin zu Gast.  Mit dem Forumsbeitrag Tanz als Entwicklungsraum für (neue) Leitbilder fragten wir, wie Jugendliche und Kunstschaffende durch künstlerische Produktionsprozesse gemeinsam und voneinander lernen können.  Teilnehmer*innen: Cosima Ruppert, Jette Zierke und Luna Rehnus, Mitglieder der JugendTanzCompany an der fabrik Potsdam; Dr. Kerstin Evert, Leitung choreographisches Zentrum K3 | Tanzplan Hamburg; Yotam Peled, Choreograph; Nicolas Knipping und Andrius Nekrasoff, Performer; Dr. Ulrike Wörner von Faßmann, Tanzwissenschaftlerin und Dramaturgin (Moderation)

Dr. Ulrike Wörner von Faßmann | 5. Juli 2024

Im Englischen gibt es den Ausdruck ‚to have a seat at the table‘. Ursprünglich in den 70er Jahren von der Abgeordneten im US-Repräsentantenhaus Shirley Chisholm eingefordert, bedeutet es im heutigen Sprachgebrauch, dass eine Person oder eine Gruppe in wichtige Diskussionen eingebunden wird und ihre Stimme Relevanz im Bezug auf Entscheidungsfindungen bekommt. Beim Bundeskongress der Kulturpolitischen Gesellschaft am 13. und 14. Juni 2024 hat explore dance einen solchen Platz eingenommen, um Standpunkte einzubringen, Themen mitzugestalten und den Stimmen junger Menschen Gehör zu verschaffen: In einem Forum, das aus der Aufführung von Where The Boys Are von Yotam Peled sowie einem Gespräch mit Künstler*innen und drei jugendlichen Projektbeteiligten bestand, wurden Tanz als Entwicklungsraum für (neue) Leitbilder thematisiert und die Potentiale des intergenerationalen Dialogs im Rahmen eines künstlerischen Prozesses herausgearbeitet. Neben den insgesamt 13 aus zahlreichen Bewerbungen ausgewählten Foren bestand das Programm des Kongresses aus prominent besetzten Vorträgen und Podien mit Akteur*innen aus den Bereichen Politik, Wissenschaft und Kunst. Die thematische Ausrichtung des Kongresses in diesem Jahr griff die aktuelle politische Lage auf und befragte die Rolle von Kultur, Kulturpolitik sowie kultureller und politischer Bildung im Umgang mit Polarisierung. Diese Aspekte wurden im explore dance-Forum auf den im Projekt zentralen Austausch zwischen Kindern bzw. Jugendlichen mit den künstlerischen Teams übertragen und der geschaffene Raum für die Perspektive junger Menschen als wichtiger Impulsgeber für die Aktualisierung von Rollenbildern, Werten und Machtverhältnissen vorgestellt.

Ernst genommen werden

Wie sieht also dieser intergenerationale Austausch aus und wie erleben die drei Jugendlichen selbst den geschaffenen Raum für ihre Perspektiven? Über die Begegnungen während der Proben im Kontext von explore dance sagt Jette Zierke, Mitglied der JugendTanzCompany der fabrik Potsdam: „Wenn die Künstler*innen kommen, ist es immer ein Geben und Nehmen. Wir geben etwas von uns, die Künstler*innen geben uns etwas zurück, das ist sehr schön.“ Damit dieser Dialog zwischen den Generationen und zwischen den Welten von Schulalltag und Kunst stattfinden kann, braucht es ein großes Maß an Offenheit und Neugier von beiden Seiten. Das vermittelte Gefühl, ernst genommen zu werden, wird im Gespräch immer wieder als zentrale Qualität in den Treffen mit den Künstler*innen genannt. Was eine Selbstverständlichkeit sein sollte, wird in den Wortmeldungen als positives Beispiel im Vergleich zu anderen Erfahrungen mit Erwachsenen formuliert. Das Gefühl, wahrgenommen und gehört zu werden ermutigt zur Neubefragung von Hierarchien und Deutungshoheiten, es lässt das Vertrauen auf die Relevanz der eigenen Stimme wachsen. Die Stimmen und Eindrücke der Jugendlichen werden in der Prozessbegleitung bei explore dance regelmäßig eingeholt. „Wenn wir das fertige Stück sehen“, schildert JugendTanzCompany-Tänzerin Cosima Ruppert, „schreiben wir darüber, wie uns das Stück berührt hat und was wir mitgenommen haben. Die Notizen geben wir dann den Künstler*innen.“

Wenn die Vorurteile verschwinden

Schon in der Formulierung ist zu erkennen, wie bedacht die drei Schüler*innen mit Feedback umgehen. Es werden keine allgemeinen Qualitätsurteile formuliert, sondern die eigene Erfahrung artikuliert. Für den Charakter der Initiative explore dance und die Entwicklung der jeweiligen Stücke sind die Eindrücke des Zielpublikums ein zentrales Element. Wie können junge Menschen ermutigt werden, sich so offen einzubringen? Diese Frage stellte sich das künstlerische Team um Yotam Peled im Vorlauf zu den Besuchen in der Schule. Sie versetzten sich jeweils in die Lage der Schüler*innen und überlegten, wie sie sie ermutigen können, den Prozess zu prägen. „Oftmals ist der Schulkontext ja eher so, dass die Erwachsenen etwas vermitteln oder zeigen“, so der Choreograph. „Diese Prägung wollten wir umdrehen – wir wollten nichts beibringen, sondern etwas lernen.“ Die Ermutigung erfolgte vor allem über eine Unvoreingenommenheit. So wurde jeweils nicht versucht, etwas Konkretes aus den Treffen mitzunehmen, sondern der Fokus auf den Dialog gelegt.

Um die Gespräche zu ermöglichen, wurden Bedingungen geschaffen, die den Austausch erleichtern sollen und verschiedene Hürden, sich in einer Gruppe zu äußern, mitgedacht. Für Cosima Ruppert, Jette Zierke und Luna Rehnus war dieses ehrliche Interesse an ihrer Meinung und der für sie geschaffene Austauschraum eine wichtige Form der Wertschätzung, so die Rückmeldungen. „Das Besondere insgesamt war“, resümiert Peled, „dass wir uns das Publikum in diesem Prozess nicht vorstellen mussten, sondern mit den Schüler*innen sein konnten und sie sich für uns wie Botschafter*innen des Stücks angefühlt haben.“ Zwei Gruppen, die sonst in Bühne und Zuschauerraum getrennt bleiben, treten in dieser Form des gemeinsamen Prozesses in Austausch miteinander. Sie sprechen aus verschiedenen Perspektiven über die Kunstform Tanz und die jeweils spezifisch verhandelten Themen. Es sind diese Formen der Begegnung, die Öffnungen schaffen und voreingestellte Konzepte des Gegenübers überwinden können. „Das ist ein schöner Moment, wenn die Vorurteile verschwinden“, erinnert sich der Tänzer Andrius Nekrasoff und wird von Nikolas Knipping bestätigt, der die Entstehung einer ganz besonderen Form des Miteinanders hervorhebt. Dieses Miteinander als Ergebnis eines gemeinsamen Arbeitsprozesses im künstlerischen Kontext rüttelt am Mythos der unerreichbaren Kunst und der Sorge um den Verlust der Magie durch Nahbarkeit. Damit stellt es Praktiken, Normen und Hierarchien in Bezug auf eingeschränkte Zugänglichkeit in Frage und entwirft jene Art von neuen Leitbildern, nach denen sich der Bundeskongress der Kulturpolitischen Gesellschaft auf die Suche gemacht hat.

Austausch auf Augenhöhe

So resümiert auch Yotam Peled: „Was sich für mich seit dem Prozess zu Where The Boys Are stark verändert hat, ist der Gedanke, nicht isoliert vor sich hin zu kreieren, sondern im Austausch mit Vertreter*innen des Publikums. Diese Begegnungen nehmen natürlich viel Zeit in Anspruch und trotzdem habe ich seit dieser Erfahrung immer derartige Kontaktpunkte gesucht, um zu sehen, was das, was wir machen, mit den Anwesenden macht und andersrum. Und ich habe immer die Frage im Hinterkopf, für wen diese Arbeit ist und welche Relevanz es für sie haben kann. Unabhängig davon, ob eine Arbeit für Jugendliche oder Erwachsene ist, hat mir diese Struktur bei explore dance gezeigt, dass dieser Austausch sehr wichtig ist. Vor allem in Zeiten der Krise können wir uns nicht von der Gesellschaft ausschließen, um Kunst zu machen.“

Repräsentation ist wichtig

Die Erfahrungen mit Jugendlichen haben bei explore dance bereits zahlreiche Prozesse angestoßen. Künstler*innen denken stärker über ihr Publikum nach und die Ausrichtung setzt vermehrt auf Impulse, zeitgenössische Tanzkunst an Orte zu bringen, an denen sie sonst nicht vorkommt. Die Perspektive der Jugendlichen wird verstärkt zu Rate gezogen: Bei der Auswahl der Choreograph*innen für die neuen explore dance-Produktionen im Jahr 2024 sichteten zum Beispiel drei Vertreter*innen der JugendTanzCompany Potsdam gemeinsam mit dem künstlerischen Projektleitungsteam die eingegangenen Konzepte. „Es war sehr interessant zu sehen, dass die Erwachsenen unsere Meinungen häufig anders eingeschätzt hatten“ erinnert sich Jette Zierke, „ich finde es sehr gut, dass die Gruppe, für die die Stücke sein soll, auch bei der Auswahl mitreden kann.“ Auch in diesem Verfahren konnten also Mutmaßungen durch repräsentative Stimmungsbilder abgelöst und statt über ‚die Jugendlichen‘ mit Vertreter*innen der Zielgruppe gesprochen werden. Den Wunsch, mehr mit ihnen als über sie zu sprechen, formulierten Cosima Ruppert, Jette Zierke und Luna Rehnus auch nach der Gesprächsrunde im Forum beim Bundeskongress der Kulturpolitischen Gesellschaft. Für derartige Veranstaltungen stünden sie gerne wieder zur Verfügung – darin waren sie sich einig.

Einen Platz am wichtigen Tisch der Kulturpolitik einzunehmen und vielstimmig zu bespielen ist ein großes Anliegen der Initiative explore dance, um ihr Ziel voranzutreiben. Es ist das Ziel, eine Arbeit zu leisten, die nicht nur kurz wirkt und dann verpufft, sondern die stabile Strukturen, gewachsene Beziehungen und künstlerische Entwicklung im Bereich zeitgenössischer Tanz für junges Publikum nachhaltig denkt – und die Bedingungen zur Ermöglichung dessen selbstbewusst mit vereinten Kräften einfordert.

Kreatives und demokratisches Empowerment

PD Dr. Bettina Bläsing, Kognitions- und Bewegungswissenschaftlerin an der Universität Bielefeld, im Gespräch mit explore dance über die Frage, was Rezeption und Vermittlung von Tanz bewirken kann und warum gerade diese Kunstform für junges Publikum und in der kulturellen Bildung unverzichtbar ist.

explore dance und Dr. Bettina Bläsing | 5. Juni 2024

„Kinder trauern in Pfützen“

Ein Gespräch über Trauer mit zwei Trauerbegleiterinnen von den Maltesern Dresden

Interview geführt von Oskar Smollny | 5. März 2024

Philosophieren mit Kindern und Körpern, mit Metermaß und Monstern

Nora Elberfeld: 1004 Zentimeter Mut

Wie entsteht eigentlich ein mobiles explore dance Pop Up? Und was heißt es, wenn wir sagen, dass Kinder und Jugendliche in alle Phasen der künstlerischen Arbeitsprozesse aktiv einbezogen werden? Die Choreographin Nora Elberfeld nimmt uns mit auf den Entstehungsprozess ihres Pop Up Stücks „1004 Zentimeter Mut“.

Über den Prozess von „1004 Zentimeter Mut“. Von Nora Elberfeld | 28. Januar 2024

Mutprobe 15: „Großes wagen.“

Wie lange ist die Freiheit?
Wie groß muss eine Held*in sein?
Wie viel Strecke ist zwischen deinem Nichts und meinem Nichts?

1004 Zentimeter Mut ist ein Stück, das in engem Austausch mit Kindern entstanden ist. Gemeinsam mit dem künstlerischen Kernteam Guy Marsan – Performance, und Judith Jaeger – Dramaturgie, sprachen, philosophierten und tanzten wir in regelmäßigen Abständen mit zwei Gruppen von Kindern – der zweiten Klasse einer Grundschule und einer Kita Gruppe von Vorschulkindern. Ihre Worte und Assoziationen waren der Ausgangspunkt für unsere Texte und verschiedene Elemente des Stückes, ihre Ängste und Wünsche vermengten sich mit unseren, wir bauten Monster, retteten uns vor kläffenden Hunden und dem Horrorclown, vor Schlingpflanzen in Badeseen und einer riesigen Wunde, aus der ganz viel Blut tropft.

Den Auftakt bildete ein erster Besuch und Workshop bei einer zweiten Klasse. Meine Kollegin Yasmin Calvert leitete dort eine Session „Philosophieren mit Kindern“ zum Thema Mut, bei der ich erst mal nur lauschen durfte.

Wieviel wiegt Mut? Nichts… ist eher so fliegend. Ist wie in die Luft springen.
Mut ist wenn man sich traut, von einem Haus zu springen. Oder sich traut in den Urwald zu gehen. Ist Kostenlos. Ich würde sagen Mut kostet schon was.

Beim Philosophieren mit Kindern (nach Kristina Calvert) entfaltet sich ein kreativer Prozess, bei dem die Kinder gemeinsam auf die Suche nach Bedeutungen gehen und ihrem Denken Ausdruck verleihen. Über Anschauungsmaterial oder Objekte (ein Kuscheltier, Bilderbuch oder Wort-Bild-Karten von abstrakt bis figurativ) fahnden sie nach eindeutigen wie auch mehrdeutigen Formulierungen und kommen ins Fühlen und Assoziieren. In der Auseinandersetzung mit Wort-Bild-Karten und das gemeinsame Sortieren geht es z.B. darum Begriffe und Motive ins Verhältnis zu setzen und zu begründen, warum man beispielsweise eine Karte neben eine andere legt. Manchmal sind diese Begründungen logisch-argumentativ, manchmal ergeben sie sich einfach über die Formen und Farben der Karten, immer wieder entstehen dadurch neue Zusammenhänge und Denkräume.

Die Worte, Assoziationen, Ideen und Bewegungen der Kinder brachten wir in den Probenraum, wo sie schließlich mit den Materialien, die uns umgaben und unseren körperlichen Bewegungen Ping Pong spielten. Wir verhandelten Größenverhältnisse und Dimensionen, probten wie groß wir oder alles um uns herum gestapelt werden können, und landeten schließlich auf Stelzen und unter sehr hohen großen und winzig kleinen Hüten (Bühne: Doris Margarete Schmidt). Ein Metermaß entfaltete sich zu einer Riesenschlange und wollte unbedingt eine Antwort auf die Frage: „Kann man Mut messen?“ Wir begegneten wilden Tieren und sahen der eigenen Angst ins Auge.

Ich würde 1300 für Mut nehmen.

Im weiteren Verlauf erweiterten wir die gemeinsamen Treffen und das Philosophieren um Workshops, in denen wir die Kinder in die körperliche Recherche einbezogen, gemeinsam Mut und Angst Scores entwickelten und Sequenzen aus dem Probenmaterial zeigten. Wir erforschten inwieweit wir „in gefährlichen Situation ruhig bleiben“ konnten und die Kinder kürten den Moment, wenn Guy Marsan mit Stelzen über sie läuft als einen Lieblingsmoment.

Dass Mut und Angst wie zwei Seiten einer Medaille – die es übrigens auch ins Stück schaffte – sind, wurde uns nicht nur von den Kindern gespiegelt. Eine Woche beschäftigten wir uns intensiv mit unseren eigenen Ängsten als Kind und Erwachsene und glichen sie mit den Ängsten der Kinder ab. In dieser Zeit begegneten uns im Alltag überall Augen, die zum Symbol und Inbegriff der Angst wurden

Und so war es die Angst, die uns den Weg zum Mut ebnete: Mutprobe 3: „Seine Ängste aussprechen.“

In 24 Mutproben blickten wir ins Angesicht des Löwen (Mutprobe 1), übten uns im Anders Sein (Mutprobe 12), teilten den Raum mit einem Monster (Mutprobe 13), sprangen ins Ungewisse (Mutprobe 18), hielten die Leere und die Schwere aus (Mutprobe 21) und schauten einander (und vor allem unserem jungen Publikum) in die Augen (Mutprobe 24).

Wenn wir gegen Ende des Stücks unser selbst gebautes Monster erklimmen und ihm in die Augen blicken, begegnen wir sinnbildlich unserer Angst auf Augenhöhe. Vielleicht verschwindet die Angst nie ganz, und spielt mal Vordergrund- und mal Hintergrundmusik, so wie der Sound von Gregory Büttner. Vielleicht kommt sie auch in ganz unterschiedlichen Ausprägungen wieder, egal ob wir groß oder klein sind. „1004 Zentimeter Mut“ möchte keine Anleitung zum Mutigsein oder die Eliminierung der Angst vorschlagen, sondern sichtbar machen wie Ängste Teil des Lebens sind, sein dürfen und zugleich einen Umgang erfordern, um das Erschreckende im Rahmen zu halten.

Bei der letzten Vorstellung an einer Grundschule war eine solche Begeisterung und ein Bewegungsdrang im Raum, dass wir das Nachgespräch kurzerhand zu einem gemeinsamen Nachtanzen veränderten. Die Kinder fingen von alleine das Stück körperlich zu rekapitulieren, kletterten an der Wand, ahmten die Tierbewegungen nach und zeigten uns ihre eigenen akrobatischen Moves. Diese Erfahrung hat mir gezeigt, dass der Prozess der Vermittlung nicht mit dem Stückprozess abgeschlossen ist, sondern mit jeder Vorstellung weiter gedacht und entwickelt werden kann, wie Vermittlung und künstlerischer Prozess ineinander greifen. Vor allem hat sie mir Lust gemacht, bei jeder Vorstellung anhand kleiner Dreh- und Angelpunkte Neues zu probieren und die Reaktionen der Kinder immer weiter einfließen zu lassen.

An diesem Nachmittag schlugen wir den Rekord im Autogramme und Augen auf Unterarme malen…

Ist im Bauch, kitzelt mich und will raus. Ist grün oder orange oder gold und glitzert – wie gleißend helles Licht, wie Sonnenlicht. Kannst du im ganzen Körper sammeln – ist auch im Kopf – in dir, in mir. Ist fern und nah – ist hier und da. Ist unsichtbar.